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  • · 流氓老兄(瞧这名字叫起来多别扭)。。 (作者:ldh 时间: 点击数: 54)
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  • 要轻松可以有很多方式的呀,你我一无仇二无恨,何必跟斑竹咬牙切齿的,非要斑竹口吐白沫方罢休?
    知道你是开玩笑,不过斑竹不喜言笑之人。虽不计较,但也不愿意被诅咒(年龄大了都这毛病)。所以删除你的帖子了。请多包涵别介意。
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    (作者:挪揻的森林 时间:2002-05-15 15:05:00)
    我最喜欢跟流氓打交道了!http://www.chat001.com/forum/chifi02/index.html
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    (作者:小久 时间:2002-05-15 17:00:20)
    如何?
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    (作者:流氓 时间:2002-05-15 19:05:24)
    LDH老兄,请明确一点,我是尊敬你D,即是玩笑又何来诅咒之意?
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      (作者:ldh 时间:2002-05-15 19:32:47)
      让我晕到在地,口吐白沫难道还是恭维我不成?北方人忌讳这些不吉利的言语,不管你是否是玩笑,这种话却是说不的。入乡随俗,既然斑竹是北方人,自有北方的地方习惯和风俗。希望你能够明白。
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        (作者:流氓 时间:2002-05-15 19:36:44)
        斑竹即有忌讳,今后不再玩笑了!Sorry
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          (作者:qy 时间:2002-05-15 19:55:39)
          流氓兄以后多聊些音响话题吧。
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          (作者:ldh 时间:2002-05-15 20:25:26)
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          (作者:三哥戴表 时间:2002-05-15 21:14:24)
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  • · 我的contax G2已经卖出 (作者:ycaudio 时间: 点击数: 62)
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  • 现在手头上还有一台奥林把斯的E-20数码相机---8800元,今年一月份买入,99%新。
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    (作者:网庐奇士 时间:2002-05-13 13:54:23)
    看到你和123在色坛上聊得欢。
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    (作者:feng 时间:2002-05-13 18:03:25)
    最近想买数码机,在研究品牌中。。。。
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    (作者:FENG 时间:2002-05-15 12:19:17)
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      (作者:ycaudio 时间:2002-05-15 21:03:32)
      有中文说明书
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    (作者:feng 时间:2002-05-14 23:46:53)
    MJUNE 兄说不玩HIFI, 意思是否说以后只玩HI-END? 厉害!
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      (作者:网庐七士 时间:2002-05-15 00:02:09)
      “以为旷世之绝响也”,J兄写过一篇发烧的境界,我记得最高级别是这一句话,哈哈!!
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        (作者:feng 时间:2002-05-15 00:16:34)
        或者是得道啦! 小弟还在水里游,MJUNE 兄,快救我上岸!


        另:房子搞好了吗? 好象现在有住房补贴啊!
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          (作者:网庐七士 时间:2002-05-15 00:25:41)
          刚才你打我手机吗?我的狗窝还没有到手。现在有个地方睡觉就行了。
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            (作者:feng 时间:2002-05-15 00:36:41)
            是否已找到更好的工作? 为何还不到手?
            另: 想买数码相机或数码录像机,10K左右, 能介绍吗?
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            (作者:feng 时间:2002-05-15 00:38:56)
            是否已找到更好的工作? 为何还不到手?
            另: 想买数码相机或数码录像机,10K左右, 能介绍吗?
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              (作者:网庐七士 时间:2002-05-15 01:13:10)
              前天和原来的老领导(其实也是30出头,刚高升不久)吃饭,他说现在流行一个词,郁闷!!!!哈哈,原来当了大官也还有不顺的地方。
              数码相机我没有研究,上次买的那个lecia minilux,真是用得爽!!!我想数码相机这东西掉价太快,而且效果还不是很和意,不如先买个传统相机玩玩,过两年再买现在的流行的500万象素,和现在买一部的价格是一样的。
              传统的我买minilux了,就推荐你买contax T3,哈哈,想让你和我不一样。两个都是好东西。
              数码摄像机,我买的是sony 的D8,很便宜的,据说可以拍透明装,没有试过,现在大家都买DV了,推荐你还是买sony的流行款。不过不建议你买什么射露一体的。
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                (作者:烧录一族 时间:2002-05-15 13:17:45)
                购买D8要注意,第三、四代D8增加了功能但是降低了画质,原因是采用了1/6英寸的CCD,在光线暗的情况下颗粒感大,惨不忍睹,甚至不如一些HI8,目前一般DV都用1/4英寸的CCD。一般而言CCD面积越大图像质量越好,同面积CCD像素越多,图像信噪比越低。10K左右可以买到松下3CCD,画质是同价位单CCD无法比的,色彩与SONY相比见仁见智看各自喜欢了,操作易用性的确不如SONY,这个价位的SONY DV和6K左右的SONY DV相比画质提升不大,就是各种功能见多,对于SONY 而言10K左右的价位比较尴尬,多了些不实用的功能。DV指标中最唬人指标就是像素,就DV清晰度而言30多万就够了,上百万是为了DC用的,但是用DV拍照片实在不能与DC相比,而过多的像素不增加CCD面积必定会降低图像信噪比。
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              (作者:cocochuong 时间:2002-05-15 08:42:47)
              如果预算是10K,那么可考虑的SONY 707,没能达的D7i等
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                (作者:feng 时间:2002-05-15 10:43:26)
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            (作者:feng 时间:2002-05-15 00:56:42)
            说不沾啊,发作起来就更厉害!干脆拿些来吊吊瘾更好! ----我想,我没试过,哈哈! 乱说!
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              (作者:挪揻的森林 时间:2002-05-15 01:18:25)
              毒品千万沾不得,没试过根本是无法体会到它厉害的!!!
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                (作者:frk 时间:2002-05-15 17:51:39)
                有些人一吸就就严重呕吐、头晕什么的,吸了有奖励他也不敢再碰。
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                  (作者:挪揻的森林 时间:2002-05-15 18:22:44)
                  毒品能让你丧失人格自遵抬……可怕了,你说的是第一次的反应显现,就算吃些摇头丸、坈、之类都会如此的,一旦上瘾,后果……,不多说了,怕引起误会,总之这决不是开玩笑之类的,你没有亲身经历过,你是永远无法了解它是如此厉害之极的,不可能在书上、电影上、或者身边的人身上猜想感受到的,绝无戏言!!!
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  • · 寻找REVOX音响产品代理商 (作者:harley 时间: 点击数: 57)
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  • 本公司是瑞士REVOX在中国大陆﹐台湾﹐香港及一些东南亚国家的独家总代理。现欲在国内寻找REVOX音响产品代理商。我公司网址(www.linfair.com.tw) 或REVOX网址(www.revox.ch)。

    1. ELEGANCE (典雅爱乐)音箱
    2. EMETRIC (超印象铝合金)音箱, Scala (史卡拉)数字音箱
    3. EXCEPTION (新例) Hi-Fi音响组合
    4. EMOTION (情感), EVOLUTION (进化)音响系统
    5. 多房聆听系统
    6. PLASMA TV系列

    本公司同时征求美国POLAROID (宝丽来)刻录机和闪卡中国代理商.

    如贵公司有兴趣与我公司一起开发国内市场, 请速与我联系. 谢谢。

    HARLEY ZHOU (周彦)
    直线电话﹕(852) 2202 3806 传真:(852) 2556 7186
    电邮﹕harley@linfair.com.hk
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    (作者:木子。 时间:2002-05-14 13:39:21)
    通过这一爱好学习更多的电子、音乐、文学知识,是对自己生活的一种充实和点缀,当您不断地学习、积累之后,在初学者眼中,您就是高手了,但是真正的高手是不存在的,山外有山啊!人的生命和精力是有限的,不可能在你的一生中学到所有的知识,精通所有的技能,高手是相对而言的。
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      (作者:新红旗 时间:2002-05-15 15:09:19)
      你们说的专业语!我都看不懂!
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  • · 木子友:请教关于905的问题。。。 (作者:yinghan 时间: 点击数: 57)
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  • 木子友:俺买了905喇叭,除自己喜欢它的声音外,在一定程度上也受了您的两篇大作的影响(“谈谈Jmlab Electra905书架箱用后感”和“感受法兰西的浪漫与温馨”)。这两篇文章写得很好,至今还可以在网上用google、新浪等搜索到,已成了介绍905的经典文章。

    最近看了您的新贴“趁大假期间有空,把我的劲浪Electra 905抱去音响店配胆机玩”后,我特意从“混混”朋友家里借来一付‘2A3’脚架(22公斤/个),这几天一直在试。与原来的‘超音波’架子(14公斤/个)相比,发现声音确实不一样:
    主要试了王靖雯的‘天空’、杰茜卡.辛普森的专集和柴可夫斯基4交,找一首曲子在两个架子上反复试,感觉高、低频确实有变化。连我8岁的女儿都说2A3架子听起来“里面的鼓是大鼓”,原来的架子“里面是小鼓”(当然是儿语来形容,实际上还没这么明显)。 问题是低频改善的同时,高频也变的有些发硬、发尖。高音一硬,冲抵了低频的延伸,听起来觉得略显‘刺耳’了。

    请问您怎样看这种现象?
    俺还想再换国产君子太子系列铸铁脚架试试,但不知北京哪里有卖?能否借回家试呢?
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    (作者:yinghan 时间:2002-05-14 13:43:55)
    能不能留下您的信箱啊?
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      (作者:木子。 时间:2002-05-14 13:48:00)
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    (作者:木子。 时间:2002-05-14 13:47:18)
    我买会君子的太子系列脚架后,也发现低频大幅度改善的同时,高频显得有点冲,后来用一鼠标垫(硬塑料那种)垫在喇叭和脚架之间,声音就刚好合适,说明前面的放置方法有不太和谐的谐振点存在,需要消除。其实喇叭和脚架之间的关系并不是一句两句话就能说清楚的,和机械、物理、声学、力学中的概念都有点关系,并不是越重越好,也不是谐振点越低(石头)就越好,业余情况下还真不容易归纳个啥规律来,可能是我的能力不到家吧。
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      (作者:yinghan 时间:2002-05-14 13:54:08)
      请问:不知北京哪里有卖君子太子系列脚架的?大致多少价位?能不能贴张图上来看看?
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        (作者:木子。 时间:2002-05-14 14:12:39)
        http://61.132.74.80/~dreamland/photoshow/gentleman/index_gentleman.htm
        有太子系列的图片
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          (作者:yinghan 时间:2002-05-14 15:15:55)
          俺总感觉905的低频劲头偏弱(与其他书架箱之间比),您是不是也有这样的感觉?

          俺准备从以下几方面着手改善:
          1)摆位(似乎作用不大);
          2)换脚架,正在实验;
          3)换线材;
          4)换功放;
          5)增加CD机(先用先锋DVD6310)。

          您认为哪个最具效果?还有什么好的经验,一定要多多指教啊。
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            (作者:ja99c 时间:2002-05-14 23:24:36)
            个人认为最有效的方法是搭配合适的功放,但同时也是代价最大的,估计功放的价格大大超过905了。
            建议先忍忍,试试不花钱的方法:
            摆位按刘汉盛的“三一七”摆法,使听音位置与音箱构成等边三角形,然后微调toe-in的拗角。

            我这样调整后,音场、定位、解析力、低音的下潜及凝聚度都有较明显的改善。
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              (作者:yinghan 时间:2002-05-15 00:32:43)
              老弟现在还没换脚架吧?我正在‘2A3’和‘黑武士’两者之间选择。
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            (作者:木子。 时间:2002-05-15 09:28:07)
            这是设计者当初设计时就想到了的,要不也不会在9系列中加个低音炮产品了。905的长项是他的中频质感和高频的细腻华丽,想想看,如果要求一个5寸的低音喇叭又要播出高质量高密度感的中频,又要他做大幅振动来放出强劲的低频,显然实现起来有难度,设计者很聪明,巧妙地做出妥协来保证905整体音效的宽松自然,而放弃牵强的低频量感,但低频能不能好起来呢?于是915、920才诞生了,价格也就.......。905这个箱子如果用的功放有足够的实力,其低频是不弱的,至少在我听过的书架箱中处于中上水平,他是那种重质不重量的设计风格,比如放MIT那张《动态琴皇》,B&W N805的声音就显得过肥,钢琴的形体感不如905清晰明确,那种轻盈快速的击键声音不如905那样敏捷迅速,但是听惯了味浓箱子的朋友可能会喜欢N805多一些,这也是个人的口味问题。我觉得905不适合听一些摇滚类的音乐,这会使那两只优秀的三文治喇叭疲惫不堪,优点丧失。我觉得在您的系统中,先增加CD机应该是比较重要的措施,普及型的DVD机声音大多走向清晰、明亮(才能更好地反映大片的配音细节),不如CD机来得平衡,其他的部件当然也很重要,脚架、功放、线材都要慢慢调试,搭配,才能最终满足您的要求。
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    (作者:雨后初晴= 时间:2002-05-13 23:26:58)
    多少米?
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      (作者:阿海 时间:2002-05-14 08:12:38)
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        (作者:oy 时间:2002-05-14 08:27:53)
        KSA100?KAS100?KSA100S?
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          (作者:oy 时间:2002-05-14 08:34:04)
          dadb的那款(散热版内置的),83年停产。我的猫ouyangxu993.sina,有兴趣,请来电多谢。
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            (作者:oy 时间:2002-05-14 10:11:51)
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    (作者:阿海 时间:2002-05-14 11:09:09)
    是KSA100,非100S,DADB 兄那款。
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    (作者:dadb 时间:2002-05-14 12:38:43)
    其中很多器材坛上众位兄弟都有使用、收藏。 老音響迷談老器材 ◎楊德宜 原本在我的規?當中,「音響論壇」十週年應該要談一些當今頂級的器材,方式可能會像五週年時由各位資深主筆與業界高手?砺摵贤扑],告訴讀者在他們心目中最Hi-End的器材有哪些,最值得?買的器材又是哪些。不過正如同總編先前所說的,近年?硪繇懫鞑牡膬r格?在高得不合理,許多?S家每推出一款新器材,價格就跟著向上飛?q一大截,所以我們決定在論壇過十歲生日的今天,乾脆?砗痛蠹艺務勥^去十年當中最值得回味的音響產品。「老音響迷談老器材」這個標題可能下得太過嚴肅了些,一?砹忻?渲械闹鞴P其?跟「老」字扯不上什麼關係,二?磉@些器材也不見得老,只是目前都已不再繼續生產罷了。

    Krell KSA 100(風扇版本) 這是Krell的成名作,採用純A?設計,?K且曾經造成市場轟動。因為當時市面上出現了Apogee喇叭,它的低阻抗特性把當時的名機一一考倒,燒機掛點者不在少數,當時能夠完美驅動Apogee的後級,首推Krell。過去我使用Infinity IRS Beta的時候,也曾經使用Krell KSA 100負責低音柱,除了推力驚人以外,聲音質感也值得稱讚。它的聲音相當細?,弦樂非常耐聽、好聽、溫暖,鋼琴顆粒感質感佳,人聲及各方面的表現絕對是頂級名機的典範。

    題示 : 玩這件東東要錫住玩,我每週才開一二次!
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      (作者:Tata 时间:2002-05-14 13:01:16)
      KRELL 的功率大透明度好, 但声音有一点发干。
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        (作者:dadb 时间:2002-05-14 13:22:11)
        老兄你快聽聽這台KSA 100.
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          (作者:purer 时间:2002-05-15 09:26:13)
          你用的是那个型号?
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        (作者:阿海 时间:2002-05-14 21:51:00)
        我玩过的KRELL不在少数,说到KRELL的声音干,确有同感,不过是在不合理的搭配之中,
        象配PROAC,SPENDOR之类的英国箱,是有这种情况。KRELL 推力无以伦比。可合理推好
        很多箱,但个人认为推B&W,ATC,皇冠达雅(当然麦林就更全面,LI 大哥就是用KRELL300S+ARC22 推麦林)
        我现在是CEC5100 + MARK 35 +ARC LS15 + KRELL100S(推底音)+AUDIOLAB 8000M (推高音)
        表现个人认为很全面,没发干的现象.高音圆润,中频饱满,底频结实又不失宽松
        KRELL100 是一代机王.是一部纯甲类机,带胆味,高音细致
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          (作者:qy 时间:2002-05-14 22:52:27)
          同是英国箱但PROAC和SPENDOR风格却南辕北辙,同样用KRELL能达到都满意?
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          (作者:阿海 时间:2002-05-15 08:16:43)
          我是说KRELL推不好SPENDOR和PROAC
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      (作者:DT 时间:2002-05-14 16:44:48)
      请问DADB兄你的LP盘是什么?
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        (作者:dadb 时间:2002-05-14 16:53:53)
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          (作者:DT 时间:2002-05-14 16:58:31)
          能否帮我找一个?万元以下。谢谢!
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  • · 一 烧 三 十 年 (作者:schiff 时间: 点击数: 371)
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  • 一 烧 三 十 年

    长亭外,古道边,芳草碧连天。晚风拂柳笛声残,夕阳山外山,天之涯,地之角,知交半零落,一觚浊酒余尽欢,今宵别梦寒。
    每想起这首歌时,总是勾起儿时片片的回忆,使我感触良深,久久不能自已。
    我小时是在广州长大的,我的童梦中,常梦见母亲拖着我步过海珠桥。我依稀记得数十年前我几岁时,那时的海珠桥,每隔几步,便有一个洞,一不小心,便很容易掉下江去,母亲每带我过桥时,总是提醒我小心跨过桥面的洞。长大后,每回到广州,见到海珠桥时,总是回忆起在秋风飒飒,残阳如血,满天红霞的落日余晖中,慈祥的母亲携我过桥那份温馨、真挚的情景,由于我曾长时间在广州生活,也使我对她产生一份亲切的故土情,在我生命日落,满头白发的时候,我常希望能在故土中寻回儿时的回忆,每当我到故居附近徘徊时,见到那些和儿时差不多的街道,虽然看来落后,但那份亲切,就像回到母亲怀中的感觉,那里扬溢着一份踏实、安稳、朴素和谐的气氛,使我觉得我和故土是血肉相连的。她的脉搏和我一起跳动,一起共鸣,正是由于这一份情怀和一个偶然的机会,我决定重回故土,用我晚年的岁月,做些我喜欢做的事,实现我的理想,也是一个三十多年来的梦想。
    三十年的确是一个漫长的岁月,它不单为我添上满头白发也为我带来满面风霜,但我无悔。过去虽然境遇坎坷,但音乐却为我抚平创痛伤痕,给我精神慰藉,鼓舞我的斗志,令我勇于面对逆境,在哀愁中得到开解,悟到心境澄明平和的可贵,也为我带来心境宁静无争的喜悦,所以我常常怀着感恩的心情,多谢上天赐给我接近音乐的机会,同时也希望别人能够像我一样分享音乐为人类带来丰富的精神粮食,这也是推动我常常写一些HiFi文章的动力,因为除了于现场欣赏音乐之外,一般人只能以透过音响器材,才可接触到音乐,但音响器材对音乐的再生却为爱乐者带来无尽的烦恼,而且些烦恼也是我三十多年来的烦恼,希望我能在有生之年,建立一个自己听音乐的天地,更愿意以野人献曝的一点诚意,以互相学习的精神和同好共同研究,希望互相砥砺,一起分享音乐中无限的宝藏,我更乐意的是,将我的一点HiFi经验和大家分享。
    发烧友似乎都具有一个共同点,就是不断追求完美,我也不例外,在追求过程中,我深切地体会到他们的苦与东,虽然部分朋友不断有进步,不但在HiFi上有所成就,更从音乐中得益不少,但也有些走进了死胡同,弄到焦头烂额,整日为达不到自己的目的而苦恼,甚而对音乐的兴趣也失去,最后索性连HiFi也玩了。这当然是最可悲的事,事实上,我也曾经数度心灰意冷,想放弃玩HiFi,但当我一接触到感动我的音乐时,又不期然地充满斗志,重新投入,屡败屡战,到今天,虽然不能说有些什么成就,但总从无数失败中总结了很多经验,也摸到了一些门径,利用这些所得经验,也为很多朋友解决了很多问题,希望日后也能在本刊中和大家分享。
    我今天不打算和大家谈怎样去玩HiFi,但我想和大家谈谈如何可以成为一位大师级的发烧友?要具备什么条件?有什么秘诀?
    首先要声明,我不是什么大师级的发烧友,我只不过是比其他人多玩几年HIFI,多点经验,多些机会接触不同的器材和多些校声的实践而已。我接触过可以被誉为大师级的发烧友中,他们很多都有一些共同点,而这些都是他们成功因素部分,是值得我们借鉴和学习的,你且看看你是否已具备这些条件,有朝一日也成为大师。
    第一,热爱音乐,以理智态度去玩HiFi,大师都对音乐充满热忱,视音乐为生活中不可或缺的一部分,而视玩HiFi只是希望追求音乐中至善至美的境界,他们对器材的态度和评价,并不以价钱以依据,他们只着重将器材发挥到极限,并不盲目和盲从地先追求高价器材。他们明白到人生充满妥协,任何事物也难求完美,在追求完美的过程中,尽量理性地去解决问题,就自己能力和财力所及去玩好HiFi,器材只是工具,听音乐才是真正的目的。如你不是真正喜爱音乐,培养良好欣赏的乐趣,玩HiFi狂热一阵子后,玩得不好的话,热度冷下来,可能便放弃。只因你对音乐爱得不够深!
    第二,恒心,毅力和坚强的斗志不可少,玩HiFi要玩得好的话,就要像我们对待事业的态度一样,必须有不屈不挠,永不言败,力求进取和孜孜不倦的研究精神,从失败中吸取教训,努力去研究和尝试,才有希望成为高手,而距离大师的路途仍很遥远!如你自问已具备上述条件的话,恭喜你,你已有了入音响殿堂的入门券,再具备了下次我说给你知的条件的话,能不能成为大师就要看你的修行和天份了。好了,下次再谈。
    如何身为大师级发烧友(上)

    上次我谈过一些要成为大师级发烧友所具备的条件作为大家参考。好,我们今次继续谈。
    我说过培养喜爱和学习欣赏音乐,加上追求完美的心态才有动力去追求音乐的至善世界,在追求完美的过程中以理智的态度去玩HiFi才是正确的态度,而在追求的过程中必须具有无比的恒心、毅力和坚强的斗志才可希望有所成就。
    但具备了上述的两个条件,只不过是基本的正确态度而已,要是你只靠一腔热诚,盲打瞎撞,盲目跟风,别人玩什么,你就玩什么,从来不知道自已的组合究竟出了什么毛病,需要改善的是哪一环节,更患上了一般的HiFi 友的致命伤--急于求成,想一步登天,以为组合工作正常就一定可以弄到像音响书上所描述的效果,结果空有恒心和毅力,组合的表现不是原地踏步就是效果更糟,情况就好比狗追自己的尾巴,团团转,永远追不到!想玩好HiFi,就像学功夫一样,必须由习马的基本功开始,循序渐进,一招一式地去学,勤加苦练,多加思考,透过实践验证,参考别家所长,去芜存菁,有所创造和改良,才可成为真正的高手。至于能否成为大师级人马,那就看你能否突破和创造,自成一家了。
    实要成为真正高手或大师的话,以下的几点不可不留意。
    第一,要有敏锐的观察力
    发烧友都有很多机会去别人家里聚会和谈发烧经,请千万不要失去这些机会,因为我们可以透过细心观察,虚心去请教别人的心得,学到很多别人校声的方法,避去很多冤枉路。例如在某些人家里,你见到扬声器的摆位并不合理。但效果却不俗,原因为何?这时你必须细心观察音箱附近的环境。家具的摆设位置。主人家如何去处理声音的反射面,如何放置吸音物料或反射板和扩散物料的处理,往往都是学问。这一切,透过细小观察和不耻下问,你一定有所得,日积月累,把不同环境的处理经验累积起来,有朝一日,碰到类似的环境,那时你的经验就大派用场了。
    记着,到别人家里,除了留意音箱摆放的位置外,更要留意器材的摆放方法,供电的处理,器材的防震措施,防震物料的运用,多请教别人防震方法和物料的特性和对声音的影响。这一切都是你必须留意的地方。
    有一点必须提醒大家的,当你听到一套靓声的组合时,你必须紧记观察所得,在回家后用笔记录,否则你会很快忘记的。若你听到一些效果欠佳的组合,你就要检讨哪里出错,研究用自己的经验去判断为何衰声,尝试用你的方法去改善它(除非你的朋友乐意接受你的意见,否则切勿作此“乞人憎”之举!)透过朋友彼此互相学习和实践,在不同的组合和环境中去练好校声的功夫是提高功力的最佳办法,也是不费分文的玩HiFi办法,因为别人已为你提供一套和你所拥有的完全不一样的组合和环境给你试验。如你真的有方法改善别人组合的效果时,那份成功感带来的喜悦和满足不是用金钱可以比拟的。
    在不断的学习和实践,你很自然地培养起正确的判断力,但正确的判断力是由多方面培养才成的,在下面将谈及。
    第二,要有正确的判断力
    所谓判断力,也就是如何去判断声音正确与否,这也是发烧友最难通过的一关。
    判断力也可解作是监听能力,是一个辨别声音是否正确和好坏的标准,这标准是心中的一把尺,是一个准则,没有这标准的人,根本就没有成为高手的可能,更遑论晋身大师级了!
    判断力(或监听力)是通过很多方法才可以正确地建立起来,例如多听现场演奏,个别乐器的独奏,个人演唱会等都是一个训练自己认识乐器音色的方法,而直接参与乐器的演奏,真正玩埋一份,则更易建立起对音色的正确认识,加强正确的监听和判断能力。一般发烧友若没有经常去音乐会的机会,又不懂玩乐器,如何去建立起自己的判断标准,我稍后会作专题讨论。
    第三,要多做学问功夫,培养对各种艺术的兴趣和修养。
    看起来多读书和裁培一些艺术兴趣和修养与HiFi简直风马牛不相及,但,我多年观察所得,很多真正高手或大师级的发烧友,都有共通之处,就是他们除了有很高的学问修养和喜欢音乐以外,更涉及其他艺术,例如绘画、书法、摄影、文学欣赏、古玩、陶瓷等等。虽然表面上这些艺术和音响毫无关系,但音乐也是一种艺术,也像其他艺术一样具有抽象的和形而上学的美学观念在内,懂得欣赏其他艺术的人,更能深刻地体味音乐中所具有的真善美。上面所述的艺术品,每每表达了作者个人的人生体验外,更表达了作者对美的诠译,人性的真善美,对生命的讴歌,当人受到这些艺术的薰陶,潜移默化,日久有功,每每令人气质也为之改变。愈能欣赏艺术的人,愈能藉着艺术修养提高自己的精神境界而超然物化,心灵对美的感受也愈敏锐,所以他们的音响系统也在有意与无意间成为他们表达自己的艺术修养和个人性格和情操的工具,每每具有一些别人难以模仿的独特气质和美感。这种自成一家的风格和表现,也就是他为什么被人视为大师的原因了。
    第四,要有谦虚和开放的胸襟
    中国人有一句话:人家老婆,自己文章。这清楚表达出中国文人的特性--假谦虚。除了文人适用处,其实很多发烧友也是:别人老婆靓,HiFi自己好;他们在别人面前,表面只是假谦虚而已,当别人批评他的系统时,你看看他的面色就知道了。
    这种假谦虚其实是防碍我们进步的绊脚石。有人说这是自信的表现,实在这是自视过高,以为自己看多了几本书,懂得一些电子学的皮毛理论,背熟了一些数据和线路,懂得装配一些扩音机,就自评为专家,目空一切,这些人很容易被人分辨出来,因为只要有发烧友的场合,一谈起发烧经,不消五分钟,他就会令到“全人类”都知道他是如何的高大威猛,他的理论和数字何其精通,他的组合如何“劲揪”,别人的如何不济,世界上的名牌在他眼中看来不过尔尔!要是别人在他面前提及他认为不符合他心水的机种或设计时,他更会以专家的口吻教训别人一番,但,当你有机会听听他组合时,哈!哈!哈!
    只有虚怀若谷,开放胸襟的人,才能用心去观察别人所长,多学、多听、多问、多思考,多求证和实践,最重要的是少发谬论,有容纳别人观点和意见的胸襟。对别人的新感观或意见,他们都采取尊重的态度,积极求证,去芜存菁,变为已用,这样才可使自己的修行更上一层楼,达到更高的艺术境界。大师们都深切体会到艺术是无止境的。
    我认识的大师级发烧友,无不是胸襟广阔,谦逊有礼,深藏若虚的谦谦君子。
    骄傲,自视过高,目空一切的人,永远和高手的层次沾不上边
    第五,要有创造力和个人风格。
    一个人能否被人公认为大师级的发烧友,并不是将系统弄得靓声就算数,正如上面所说的,大师级的的发烧友最突出的一点,也是修行达到极高境界时,组合往往就成为他表达他个人的艺术修养和风格的工具。
    他们的系统很多都不是名贵的器材,很多都是中等货色或很多人认为不够班的机种,但比起很多号称有百万元的巨制动听得多,除了水准极高之外,更洋溢着某种特有气质和特色,在表现出个人风格,声音的表现也往往是独一无二,深刻动人,别人想模仿也做不来。只要你坐下聆听,音乐便会深深地打动你的心灵,忘了什么是HiFi。他们系统独特之处很容易被辨别出来,就像我们多听各家各派的音乐时,虽然不知道曲目和作者,只凭音乐中的特色和风格就很容易知道是莫扎特或是贝多芬的作品一样,因为他们的音乐都具有强烈的个人性格。
    要达到这种大师级的修行,除了深知器材的特性,通过巧妙的调校去发挥个人的创意外,更要真正认识音乐,认识乐器与乐队的互为关系,还要有极强而正确的监听力和心中有一个极高而恒定正确的标准,深知道什么是好与坏,什么是准确和不准确,他们深知系统失常时的毛病所在,所以除了把握调校好系统以外,更能创造有自己风格的音色。
    一般高手只能将系统搞得靓声,但往往缺乏了内涵,令人听过后,瞬间便忘记,但大师级的系统,听过后往往令人回味不已,长在心间--这就是大师有别于他人的地方!由模仿到创造以至晋身高手或大师级,都是艰辛而路途漫长的,愿同好努力,更希望同好有以见教。
    如何晋身为大师级发烧友(下)

    得知本刊为我设一专栏,很是意外,但我也很高兴,因为我能有机会和国内的发烧同好一起交流发烧经验,我更希望香港的朋友也能参加这行列,将香港和国内的发烧文化相互交流,希望能彼此学习,共同研究,擦出火花,从而创造一种我们独特风格的HiFi文化。
    我上次用了很长的篇幅去谈如何才可以成为高手,成为大师级发烧友有什么条件,这些都是个人的管见,如有不是或不足之处,请高明有以见教。我写的多是一些游戏文章,只是将个人见解及经验写出来,我没有时间和兴趣去翻查典籍和有关资料作引证和考究,所以读者看后,千万认真不得,若有谬误,请予指示,以免误导读者。
    自上次登出撰文后,有读者问我是否一定要像我说的条件才可成为高手,路途似乎太遥远了。
    HiFi是一门易学难精的学问,牵涉的不单是音乐和电声学,更旁及环境声学、音响心理学、物理学,试想光是要精通上述其中的一种学问,已是艰难的事,何况HiFi友一般以买套器材玩玩的心态居多,理他那么多的劳什子学问干什么?所以一般都懒得去吸收这类知识。但事实证明,一般被许为高手的发烧友很多(当然不是全部)都具有上述多门学问的一般常识,我的朋友中更不乏个中理论,每每能在关键时刻提供可解决问题的方法。所以有人说,玩好HiFi成为高手的人,所耗费的时间,精神和毅力,简直可以用来取得博士衔。
    是的,在艺术上要取得某种成就,的确要付出很多,更非一蹴而就,是否值得这样付出,就要看你个人的价值观。试问,有成就的人,有谁不是从零开始,一步一步前进,其间经几许挫败,才有所成?我相信,皇天不负有心人,只要你能努力耕耘,必然有所得,同时我深信绝大多数的人都具有差不多的资质,只要你能按步就班,边玩边学,肯定有朝一日,你也可以跻身高手之列,这也是我为什么一开始不谈玩HiFi而希望发烧友先在思想上建立一个正确的观念作为指引,循着正确的方向前进,才可到达彼岸。
    我毫不讳言,我30年的发烧日子中,走过很多冤枉路,就是太急于求成,没有一个正确的思想作指引,只是凭一股热诚,盲冲乱撞,结果一事无成,幸好有良师益友时加提点,才迷途知返,回到正确的方向,踏上比较平坦的道途。为了感谢这些朋友对我无私的教诲,我愿意将我的经验和大家分享,希望大家能早日享受音乐给我们带来丰盛的精神粮食。
    谈过做好思想准备后,我想起经常有发烧友问我有什么秘诀可以玩好HiFi。
    其实在上两篇文章我已将我所知告诉你,但我们都知道除了具有正确的态度、恒心、毅力和斗志外,要培养观察力和判断力,做好学问功夫,增加音乐和各种艺术修养并非一朝一夕的事。发烧友急于要将手头上的组合玩得靓声,毕竟是无可厚非,也是人之常情,要一个人花长时间去学习和研究才可有成,并不是每个人都愿意去做的事,所以日后有机会的话,我会将玩HiFi的各种方法写上,希望能帮一些初哥发烧友将组合弄得好声一点。
    至于一些有志成为高手的朋友,又应该怎样按步就班去做?以哪样为先?如何配合才可相辅相成呢?
    我认为首先要尽快建立一个标准作为判断声音好坏和是否正确的准则,但由于标准的建立是要由多方面互相引证和参考,期间更需不断改正,再加实地练习,试验和长时间比较才能在你心中成为一个恒定的标准,你不要期望在很短时间便可以做好。告诉你,由于不得其法,我玩了HiFi差不多十多年才建立起一个标准,(不要见笑,可能我太蠢吧!)
    在建立标准的期间,其实也是训练自己和培养观察力的机会,也是修养自己学问和多接触艺术的好时机,透过这样的努力,你成为高手是无需怀疑的事。
    很多发烧友终其一生也没有取得一个恒定而正确标准,他们的成就都只能在某一层次上停滞不前,无法突破,终日寄望在更换器材或某些发烧玩意上,希望得到好的效果,解决他们的问题,这些朋友永远和高手的境界沾不上边,究其原因,他们太心急了,人云亦云,偶尔搅到一次半次好声就沾沾自喜地自命为高手,从不好好地去练好基本功和为自己建立一个正确的标准,结果,偶尔声音变了,是好?是坏?好在那里?坏了什么?只凭臆测,毫无准则,如何校正系统的偏差更是毫无把握,这样的所谓高手,就算多玩卅年,不过尔尔。
    为什么一些高手可以随心所欲,将不同的器材玩弄于股掌之上,随自己的喜好去调校和创造有个人风格和品味的音色而又不失准确呢?这都因为他们有一个心中的标准,能正确的判断音色准确与否和好坏,加上他们对器材的特性表现了如指掌,对房间的音响特性了解透澈,自然就可以驯服它们,控制它们,令它们好好地为他服务。
    至于这些高手用什么方法去取得他们监听的标准,将是下一次我要谈的话题。
    从 头 做 起


    在过去的几期,我谈的都只是如何在思想上建立一个正确的观念去玩好HiFi,从未谈过如何去调校好一套组合。有些读者见到我的时候,总是说希望我教他们一些捷径或秘决,使他们能早日掌握到玩HiFi的窍门。
    玩好一套组合,其实说难不难,说易不易。然而一些基本功夫,往往是人们易于忽略,但却影响整套组合的表现,有时一些不为人留意的地方,竟是靓声的关键所在!
    为文时,适值春节,此新年伊始,我们玩HiFi就由头说起吧!
    我说的头,是插头,是电源的插头。又有叫“插苏”。这件小配件,竟可以是一套HiFi的靓声所在?
    我不在这里和你谈理论,只是想将最近的一次校声的经验告诉你,希望能给你一些启示。可能大多数的发烧友也犯有同样的毛病,令组合声音欠佳而不自知。
    某日,接到老友来电,说年近岁晚,为了奖励自己一年的辛劳,不惜大破悭囊,斥巨资把整套HiFi换掉,希望有靓声贺岁,但结果却令他大失所望,新组合的声音比旧的竟然差上一大截,希望我到他家中看上有什么出错,语气中带着失望、焦急和无奈,我只好匆匆就道,赶到距离市区老远的别墅去看看他的组合。
    朋友用的是美国名牌四条大柱的音箱组合,两条是高中音的音柱,两条是低音(应说是超低音)的音柱。低音柱由原厂附带的分频器和功放推动,高中音柱则用一对法国名厂单声道的巨型胆功放去推动,前级和CD机也是该厂最高级的型号,讯号线更是价值不菲而评价很高的名线,组合的素质是不用怀疑的。
    组合的接驳经检查后,证实一切无误,听音室的面积是4.9米x8.5米,高3米,极接近公认的黄金比例,但声音嘛,却是凌乱不堪,低音轰鸣失控,隆隆作响,更谈不上音色平衡和音场了。我坐下听了片刻,便将声音关掉,想起从前也曾多次听过他的组合,虽然不是城中最佳的组合,也总算是靓声之一,况朋友也是一名高手,对这套组合,竟是一筹莫展,我也感到意外!
    喝过朋友特别为我泡的靓茶后,心情冷静下来,忽然想起,刚才在检查时只是检查讯号线和音箱线的接驳有无出错,但却漏了检查电源线的接驳是否有误,这也难怪有此疏忽,因为电源接错或漏接,组合便不能工作,组合能出声,理论上电源接驳不应有问题,是吗?朋友既是高手,电源的处理,应该不成问题吧?心里正盘算着从哪里着手,无意中,轻轻触动一条电源线,低音柱突然传来“蓬”一声,推动低音柱的功放竟然自动熄机,原来触动了保护电路。为了安全,我立即关掉所有机的电源,从头检查,这时才警觉朋友将左边的功放插在墙脚的15A独立插座上,再看右边的功放,CD机,前级和推动低音音柱的功放的插头一脑儿都插在一条排苏上,由于这条排苏是万用型(可以适合任何类型的插头),每个插座边都有独立的开关,系专为接驳多部电脑而设计,只有10A电流负荷能力,更因部分插头插入排苏时不能紧扣(万用型的排苏插座多有此毛病),稍一不慎便容易松脱,至此,我恍然大悟,仿佛找到了病源所在,但仍须事实才能证明我的对错。于是我决定将电源排苏换过,重新安排分配电源,幸好朋友平时因为别墅距市区路途遥远,早就储备有些高素质的排苏,电源线及不同类型的插头,以备不时之需,于是我将电源再作以下安排:
    一、检查每部机的电源相位(朋友太心急,忘了做这一步功夫!)
    二、前级和CD各用一独立的排苏(排苏是没有独立开关的且只能插一种插头,插头插入后能紧扣,不易松脱。)
    三、两部功放的插头和低音柱的功放插头全部改为15A的高质插头,然后直接插入墙上的独立15A的苏座上。。
    四、将地线驳到系统适当的机上。
    经过个多小时的折腾,最重要的一刻终于来临了!这时机还没有热身,新器材还未经过适当时间的煲炼,但效果却是那样令人喜出望外,音色平衡已不是问题,低音已回复正常,经仔细调校音箱位置后,定位和音场的表现都极为出色,我正在陶醉的当儿,朋友突然叫停,我不解地望着他,他已拿起电话,通知他工厂的经理多放工人三天年假,他说要好好地在春节享受他的组合,也让他人分享他的喜悦!
    朋友,你知道为什么电源经过处理后能有这样出人意外的表现吗?下次再谈。
    HiFi基本法——电的处理(一)


    上期我说过电源对一套声音起着举足轻重的作用,将电源处理妥当时,已为音响系统的靓声打下稳定的基础。我上次谈过的处理步骤为什么有这样大的作用?且让我将它逐一道来。
    我首先谈电源相位的重要性。虽然每部机只要插上电源就可正常工作,但经验告诉我们,有时将某一部机的插头反插时,系统会消除交流声,使系统更为平静,更甚者,当我听某一类的音乐时,特别是大合唱时,各声部的声音特别齐整,在播交响乐时,感到各组乐器的群奏特别协调,乐器之间的空间感更明显,在听室乐或其他比较简单的演奏时,线条特别清晰,泛音的层次特别分明和丰富,敲击乐器的起落及力度清脆俐落,特别有劲和生动活跃,究竟原因何在?
    我就曾为此和一班发烧友做过不少试验,我不想把这些枯燥的经过写出来,我只想用一个简单的比喻来说明为什么一个系统的电源相位是这样的重要。
    首先要明白电源相位怎样影响机器的工作。假设交流电的相位是正和负,系统中的CD机,前级和功放一起都在正相工作时,喇叭单元的振膜在接到正相讯号时向前推而在负相时是向后拉的,这样喇叭就被推动而发出声音。假如我们在听单一支管乐的独奏,演奏家是用气吸入通过管道而发声,这时空气是向前推动的,也是正相的讯号,若系统的电源相位是正确的话,喇叭的振膜是应该将空气推向前,这时就像真乐器演奏时小号的空气向前推一样,你听到的声音是有力的,凝聚的,定位明确,泛音丰富,线条清晰的。但若系统的电源相位是负相的话,喇叭振膜在应是向前推时却反而向后拉,和原有乐器发声时向前推的特性刚巧相反,这时你会感到声音松开,音像变大,线条模糊,欠缺凝聚力,泛音混浊,定位也飘忽不定。
    我上面说是整个系统全部机器一致在不同相位工作时的表现,但我们都知道,音响系统是由多部机而组成的,若大部分机都工作在正确相位而只有其中一部机的相位是错误的话那又如何?这里再作一个简单的比喻:音响系统中的CD机、前置、功放和音箱就像一队士兵,步操时必须步伐一致,动作和时间配合得好才能整齐,若指挥官叫口令向前时,队中有一个或数个士兵举错步时,很容易就令整队人乱起来。一个系统中只要有一部机在错误相位工作时,除非你素有训练和敏锐的听觉,一般人是难以察觉的,因为一个简单的独唱和只要几件乐器的音乐是不容易听出来,而且影响声音的因素实在太多,例如房间音响特性,器材摆放方法和配搭,喇叭摆放等都是影响声音表现的重要因素,虽然如此,也有一些方法可以察觉到电源相位出了问题。
    相位出了问题时,最明显是在播大合唱或群奏时,(例如交响乐复杂的乐章),你就发现各声部有凌乱不齐整的感觉,例如一些女高音和合唱团一起演唱时,女高音往往被合唱者淹没。而难以分辨,但若整个系统的相位正确时,虽然在合唱团各声部齐唱时,女高音仍然可清楚容易的现出来,各声部和女高音的位置也不会飘移,最明显的是每一声部的声音都齐整,速度一致,起落明快,对答交代清楚。若你尝试将其中一部机的电源相位反转时,整体表现就大打折扣!
    虽然知道电源相位如此重要,如何去测定每部机的相位呢?
    方法有多种,可以说很简单,也可以说不简单,这里卖个关子,下次再谈。
    HiFi基本法——电的处理(二)


    上次谈过电源相位的重要性,今次继续谈的是如何去测定电源相位。
    一向以来人们都喜欢用数字万用表的电压档测量每部机的漏电电压,以漏电电压低时的接法作为正确指标。但经过多年的实试,发觉这方法不一定准确,因为一般万用表在测量电压时,表的输入端的电容量负荷大部分的高频噪音多过低频噪音,往往在数字上造成误导的结果,所以最准确的方法是用可以量度微量电流(Microamp或Miliamp)的数字表测试器材的漏电流量,以漏电流量最低时的接驳方式为正确相位。
    测试的方法和步骤如下:
    1.每部机必须独立测试。测试时必须将所有讯号线和地线除去。
    .检查受测试的器材插头是两脚的插头还是附有地线的三脚插头。若是三脚插头的话,必须用一个三脚变二脚的转接插头,将地线浮起,否则无法测到漏电量。
    3.将两脚插头插入电源后,将机开着,稍候数秒,然后将数字表打向测量微量电流的一档。
    4.将红色的测试棒接触器材身上的RCA(莲花插座)的外壳,切记你的手不可接触机壳和测试棒的金属部分。
    5.将黑色的测试棒接往电源插座的地线孔,如不便或怕危险,你可用一只手握黑色测试棒的金属作为地极回路,功效一样。这时万用表会显出数字,你用笔将读数记下。
    6.做完上列步骤后,将机的电源关掉, 拔出插头,然后将插头反转,再插入电源插座,稍候片刻(约两三分钟,如大功率的巨无霸功放,则起码需要五分钟后才可再进行测试),然后开机,重复④、⑤两个步骤,然后将数字记下。
    7.比较先后两次所得数据,数字低的插法是正确的电源相位。
    8.试好后用颜色或贴纸在插头和插座上做好记号,方便日后重新接驳时不用再由头做过测试。
    当你将所有的机依照正确的电源相位插好后,驳上讯号线和喇叭再开机时,你会有以下其中的一种反应:
    一是感到声音明显好了,无论清晰度、分析力、速度感、力感和宁静的感觉也有所改善,声音也靓了很多。
    第二种感觉是声音为什么反而差了!并且感觉先前不理会电源相位,随意乱插的效果反而较为好声!
    有第二种反应的人一定以为我教的方法有错,是吗?
    事实上,你的判断没有错,的确在不同的系统上常有这样的事情发生!
    原因何在?
    经长时间的验证,得到的结论是电源相位正确时,并不保证靓声!
    这岂不是自相矛盾?测试相位的功夫岂不是多余的吗?
    这个玩笑开得太大了!
    请不要烦恼,且让我细细道来。
    在音乐再生的整个环节,即由CD机、解码、前级、功放和音箱甚至线材,每件器材其实都具有制造者个人特有的音色(或可称渲染),如刚巧碰到组合中各厂出的器材都偏向某种特有音色时,往往过于强调某种渲染而造成负面的影响。但如组合中混合了不同音色的器材时,例如前置的音色偏柔而功放偏阳刚的话,彼此间起了一种互补和中和的作用,为音色带来正面的好处。
    一套器材的表现,是以整体最后聆听效果为依归,将电源相位校正只是众多校声的方法中的一种而矣!要系统靓声,还有很多功夫要做,最后还是要耳仔收货为准。这样说是否就意味着电源相位不重要?
    不,电源相位的校正可以说是走向靓声的第一步,但如果不满意或效果更坏时,如何?
    玩HiFi是要有耐性的(玩HiFi的美德之一),姑且就此打住,训练一下你的耐性,下次才说给你听!
    准备收笔时,忽地想起要提醒读者,在测试胆机的功放时,必须接着音箱才可测试,测试时只需将讯号线除去便可进行。记着,多数胆机若没有接上音箱,很多时会烧毁输出牛的!
    HiFi基本法——电的处理(三)


    谈过怎样去用数字表测试电源相位的方法后,今次谈谈为什么有大部分的系统会变得好声而有部分系统反而衰声的问题;而有负面效果时又有什么补救的办法?
    仍是由头做起!但你必须要专心一意去做,如你对音色、音场等欠缺判断经验或恐怕在试验过程中欠客观的话,最好在试音时能邀请一班耳朵灵光的朋友帮耳,给予客观意见,助你作出正确的判断。
    你首先将所有器材依正确相位驳好电源,然后选择一些你最熟悉的音乐片段,最好是包括全频的交响乐和一些多部男女声合唱的片段,但录音的素质亦经大多数人认定是靓的才可作准。将有关片段细听一遍,留意音色的细节,音场内各部人声或各组乐器之间的排位和距离空间,齐奏时各组位置是否明确,合唱时是否各部齐整有序或是混成一片?每个片段试听时间最好不超过三分钟,以免影响你的集中力。听过后将系统关掉,待放电后(约三至五分钟),这视乎功放的功率瓦数而定,大瓦数而储电量大的需要比较长的时间放电),将CD机的插头拔起,然后反转插头插入插座,再将整个系统开着,听同一片段,留意音色细节和音场有什么分别,是好了还是坏了?
    若你感到整体宁静了,清晰度增加,细节多了,各组乐器或声部之间的空间感和距离明显,合唱或单一声部独唱时齐整一致,没有混乱的感觉,那么这便是正确的电源插法,反之若效果更坏时,你便需还原到原有的插法。根据上面的方法,循着次序逐一去试解码器、前级和功放,你就会将整个系统的电源相位调到最好的一点上。最后你会发觉整个系统可能有一部或两部机的电源插的插法是不依数字表的测定相位去插的,但声音反而靓的现象!上面所述的都是经过很多发烧高手试验过,认为是最好的方法。所以玩HiFi若是一成不变,只依本子办事的话,那就不可能有进步。电的处理过程中,相位的确定只是其中的一个环节,其他还有很多需要留意和处理的地方,而一般人最易疏忽的环节,就是插头和插座之间的接触点的处理。
    一般发烧友只是将插头插入插座取电,有电供应能开机便算。他们往往忽略了插头与插座接触点紧密与否的重要性,也不去理会它们的接触点是否清洁,导电性能是否良好,总以为不是音频讯号通过的地方就可以不加以理会,他们这种疏忽的态度,其实也是导致音响系统衰声的一个主要因素。你且试试花多少时间检查一下每部机的插头和插座,看看它们的铜片是否已氧化发黑,无论新与旧,若插入后很易松脱,那你先把插座的电源关掉(安全第一!),把插头和插座拆开,将每一颗锣丝上紧,然后把它们的接触面用擦墨水的砂胶或幼细的砂纸磨至光亮,再用钳子把插座的铜片调紧,使插头插进时能紧扣,这样不但可以减少了接触面的电阻,使电流通过时更为顺畅,也减低了因接触面污秽引致接触不良而产生的跳火和躁音。如你的插头或插座已使用多年,发黑或残旧松脱,最好还是换过一些新而素质坚固可靠的好了。
    当你做过这些功夫后,你会发觉整个系统的透明度和宁静度都增加了,动态明显地增强,低频更有力和控制力也改良了,乐器的质感和音场也肯定有所改善,不信,你试试看!
    HiFi基本法——电的处理(四)


    连续三篇文章和大家谈过电源相位,插头和插座的处理,若读者能照我提议的方法去处理的话,相信你的音响组合一定有所改善,但至此仍未达到玩尽的地步。
    要使器材发挥极限,有最佳表现的话,以下几点不可不留意:首先,检查一下由入屋的电箱起至供电给你的系统的插座。看看电线的粗细,插座的素质是否足够负荷你的系统,插座是否太旧或使用太久有氧化和松脱的现象,如果你发现电线的素质有问题,太细,电线的胶皮有老化或烧焦的现象,那你就必须重新铺设电线和换上新的插座。
    很多发烧友都只着眼把金钱花在器材身上,却从不愿意花点时间和金钱去改善电源供应,一套数十万的组合,往往用一个拖板插入墙上的插座供电给系统便算数。我在国内就曾经见过一位拥有数十万器材的发烧友,用一条只售数十元的拖板,插在一个已经用旧发黄的墙内插座上取电供给他名贵的系统使用,他对我说他的系统总是弄来弄去都不好声,他用的是巨无霸型的大功率功放,但低音总是松松散散的和一团团的,高音粗糙而声音很毛糙,由于他系统所用的机都是公认最合配而效果亦为很多发烧友所认同的,他虽然不惜腰间钱,购了不少名线去配合,但效果总是顾得头来脚反筋。这种情形和我先前几期谈过的香港朋友所遭遇的情形差不多一样。我到他家检查过他的系统和听过效果后,着他买一些高质60安培的电源线,然后找电工从总电箱的保险跳闸后直接取电给他的系统专用。当完工那天晚上,他高兴到深夜三点钟还打电话给我,要开车来接我听听他的系统。一听之下,原有的毛病已去得八九,我再教他将各机重新分开供电,结果整体获得前所未有的改善。而他这次花费的工料费,比起他组合的钱来说,是一对讯号线价钱的几分之一而已!
    这例子充分说明,虽然你用的是公认的靓声而贵绝人寰的器材,要是你供电马虎的话,也绝不能发挥器材的性能。
    其实,一般预先装好的室内电线和插座最大的供电量多是约15A左右,由于成本关系,一般用的电线也多是一些大路平价线材,很难期望建造商用靓料。再者这些电线由于是平价货,很容易氧化发黑,你想用这些供电取得靓声,相信是一种奢望。
    我曾经多次搬家,每次我第一样必要做的就是为音响组合重新铺设自己选购的靓电线和插座。每次都得到很理想的效果。经验告诉我,最好的方法是用够粗(60A-100A)多股铜线绞合的高质电源线(多股的意思不是指那些像头发丝那么细的那种,两种线的声音表现有很大差别,用粗铜线绞合的线无论力度、质感和舞台的台型都比多股幼铜丝绞合的线赢一大截!)直接将它驳入总电箱取电,用胶管和码钉固定在墙上,再接入四个高质的15A插座稳固地安装在墙上便大功告成。
    为什么不多不少要装四个插座?如因某些原因不能装四个时,效果是否不能达到?
    四个插座是这样分配的:一个给CD机和解码器专用的,一个给前级用,余下的两个是给双声道或单声道的功放专用,这样的安排是最好声的供电法。如你因某些限制只能装一个或两个插座的话,那只好用拖板来解决问题了。但请你紧记你若想靓声的话,拖板和线材的质素切不可忽略,不同的线材的插座肯定会有不同的表现,很多发烧友就利用这拖板来校声呢!
    最后要提醒你一下,这组电源切勿和电脑、冰箱、洗衣机、空调和风扇共用,因为这些电器工作时都会产生噪音和污染电源,有时令你的音响系统产生莫名其妙的杂音或使声音粗糙。再者,有拖板时,CD和解码器最好用独立的拖板,避免CD机或解码器泄漏出的数码杂声和垃圾影响其他如前置或后级。当然如你想彻底隔绝CD机产生的电源和讯号的干扰,你可以有一些高质的电源隔离牛和滤波器。过滤电源后才供电给CD机,日后我会介绍。
    想靓声,前级当然不应和CD机及解码器共用一个拖板。但前级和功放共用一个拖板时,你更要考虑拖板的电线负荷电流的能力,若你用的是巨无霸级的功放,用电量很大的话,最好还是各自用独立的拖板,效果才能有所保证。
    记着,充足的供电,远离干扰,机与机之间不因供电不足或抢电而互相牵制,是靓声的重要法门之一!
    HiFi基本法——电的处理(五)


    写过多篇有关电的处理方法意犹未尽。事实上,多年来从自己的实验和朋友的交流中学到不少有用而具实效的方法,可以令电的供应有更佳的效果。以下是一些花费甚小而收益甚大的方法。
    一、不用的音响器材或电器不要接上电源。
    很多发烧友喜欢将手上所有的录音机、收音机、VCD机等一古脑都驳到音响系统上,实际上,有些机只是很久才偶尔用一下,但你知否,有些机虽然不按着电源,有部分机是处于候命(即随时备用)的状态,不要看小这些机对音响系统的影响,它往往是衰声或引起莫名其妙的杂声的元凶。你试将所有不经常使用的机除下连接的讯号线,拔去电源,声音肯定会有不同的表现。这除了牵涉到机与机间的干扰外,其实也涉及机与机的地线环路影响到音响系统的表现。
    我就曾经有一个很有趣的经历。有一次我去参加一个HiFi叙会,朋友用的是极名贵的器材,播放音乐时经常被一些不明来历的杂声干扰,不时发出噗噗声。起初以为器材有毛病,但经代理的技术人员用仪器测试,并在代理的试音室实地试听,证明并无损坏而且工作正常,但回到家里驳上线后,仍是一样。发出的杂音总是找不到原因。我建议他把家里一切电器(除电灯外)连冰箱也关掉,杂声依然故我。正在毫无办法之际,我唯有使出最后一招,把家中所有电器逐一拔出插头脱离电源,最后发觉竟是厨房中的一部洗碗机作怪。当拔出该机的插头后,整个音响系统恢复正常!试想一部已关上电源的洗碗机竟然会引起杂声,太不可思议了吧?
    多年前我仍在玩黑喋(LP)的时候,有一次经历也是我毕生难忘的。我记得当时用的是英国的DECCA唱头,这唱头的输出很特别,左右声道共用一条地线的(一般唱头都是左右用独立地线),在装好唱头后,总是有交流声和放音时某些地方失真,无论我用什么方法都弄不好。唱头是新的而调校一切都无问题,我甚至不怕麻烦将唱盘和前级抬去朋友家试听,结果证实唱盘工作正常,前级也没有毛病,正在一筹莫展之时,我想可能引这毛病的原因,一是讯号线插头和插座的接触不良,亦可能是讯号线内部的线芯断裂而引起这样的毛病。在无法可施的情况下。唯有把所有讯号线的插头和插座清洗一番,然后驳好整个组合再开机,毛病竟然不药而愈,而且声音靓很多。这样相安无事,直到有一天需要为朋友录音才发觉录音机的讯号线竟然没有接上前级,于是重新接上,但在放唱片时竟然故态复萌,再把录音机的讯号线拔出后恢复正常!有一点奇怪的是,当时录音机的电源是关掉的!事后我和一些精于电声的朋友研究,唯一的解释是地线回路引发杂声,而失真是因为录音机接驳上前级时,改变了前级的输出负荷而导致失真。由此可知,一些不常用的器材不接上系统,以免引起不必要的杂声和失真也是靓声的一个方法。
    二、听音乐时,家里装有石英灯和光管的话,最好把它们关掉,改用普通钨丝的灯泡作光源,这样子做的话,你会觉得系统的宁静度、音色的透明度有明显的改善。
    三、在供音响系统专用的拖板上加一盏小瓦数的灯(一定要用普通钨丝灯泡),这样可以减少射频干扰,使系统的声音更宁静,声音更清晰。
    四、电源线和讯号线切忌平行摆放和靠在一起,因为当两种线平行而相近时,讯号线会捡拾到电源的磁场和杂声而引起交流声和噪音。如果没有办法的话,最好让它们交叉而过,更要注意的是,不要为了美观整齐而将它们捆在一起。就算同是讯号线,也不可捆成一束,否则必衰声无疑。
    五、试用尼龙草绳或棉绳把插头稳固地绑在拖板上,再用不同的物料例如石块、钉脚、CD盒子,或甚至碗碟(薄身的最有效果!)将拖板承起,看看音色有些什么变化?可能令你有意外惊喜也不定呢!
    HiFi基本法——电源的净化


    多多期谈过电源的处理,最后一章该是怎样净化电源。
    在今日电脑、电讯器材和电器日渐普及的环境里,当电进入家门前,少不免受到不同程度的污染。当这电供给我们的音响系统时,就像我们身体里的血液受到外物的污染会引致生病,试想在这情况下,组合又怎能会靓声呢?
    自从电脑普及后,发烧友发现了电脑很多都附有电源滤波器。于是也尝试把滤波器用在音响器材上,这种玩法曾一度成为热潮,很多高级器材也用上滤波器。我在多年前也着实玩了一阵子。当时市面上的滤波器真是琳琅满目,有大有细,电流量的大小任君选择,令你花多眼乱,由于几乎每种的效果也有不同,更加令人无所适从,我记得当时曾花了不少时间和金钱,试过不下三十多种滤波器,结果是令人沮丧的居大多数,大部分都具有负面的表现,用上后,背景是宁静了,但声音偏薄、干硬,小提琴利薄,人声冷而叫,听女高音时有时简直是像鬼夜哭,更谈不上音乐感,动态和韵味了。到后来,所有的滤波器只留回三两个给电视机用,其他唯有拿去填海,自此后有些朋友发现了一些很效果的产品,由于价钱实在太贵,而且又不敢肯定是否适用于我的组合,所以也没有进一步再试。
    去年我去广州设一个试音室后,由于供电不太稳定,电压时高时低不用说,加上我用的是胆机组合,噪音的干扰令我颇为烦恼。
    为了克服电源噪音,我不得不去想想办法。
    一个偶然的机会,我在广州惠福西路的旧电子零件店中发现一个日本制FDK牌号30安培的电源过滤器,体型壮观,体积约18x12x9cm,而重量相当,制作颇为认真,由于是旧机拆件,见价钱不贵,抱着姑且一试的念头,于是捧了一个回家驳上一试,竟然大有改善,噪音水平降低了很多,整体音色幼滑而动态丝毫不减。
    既然有了改善,为了达到更佳的效果,我决定模仿曾经名躁一时的电源处理器--Clear Image(本刊第四期曾有译文介绍)的工作方式,为我的音响组合建立一个净化电源的供应系统。
    由于我很久以前已用这美国制造的电源处理器,而且和他的设计工程师有一面之缘,所以比较了解这产品的设计理念和他特有的工作方式,它是一件真正为HiFi而设计的产品,每部都有四组或两组输出,每组只提供250W的功率,只适合前级、CD机,和一些低瓦数的功放用,但价钱则极贵,在90年代时,四组输出的已卖差不多二万元,我记得当时我曾要求该工程设计一些大功放的产品,以供一些巨无霸的功放,他说若要设计一些超过1000W的电源处理器,不但体积庞大,而且成本难以估计,非一般人所能负担,最后只有作罢。
    事实证明,这产品确有神效,一用之后,背景宁静非常,而显著的是整个音场非常透明,每件乐器的定位明确,音色纯净而整体分析力也明显地增强,虽然该产品因为价高而令一般人难以负担最终导致停产,但它的设计理念仍清楚地印在我的脑海里。
    Clear Image的工作方式是样的:交流电输入--滤波器--隔离变压器--滤波器--输出
    我深知若要供应一个耗电量100W的系统,无论滤波器和隔离牛的功率容量必需数倍大于所需电量,声音才有从容的表现,才不会在爆棚时有捏住和凌乱,力不从心和毛糙的感觉,选择滤波器,电流量大的比较好,但电源变压器(这里指的是隔离牛),在我的经验中并不是愈大愈好。我就曾经用过一些5000W的隔离牛。低频勇猛异常,但高频钝化,中频硬实,整体硬梆梆的,更要命的牛的震动噪音很大,如果放近音响系统的话,它泄漏出来的磁场,使音色也受影响,同时也容易引起交流声,我最后选择了一只2500W的牛,依照上述Clear Image的接法装好后,经过一星期的热身后,效果非常满意,整个系统有点静如深海的感觉,音色晶莹透剔,无论力水和音场的表现也有极高的水准。
    若有朋友想照版煮碗的话,有一点必须提醒你的是:你必须检查你从电箱到音响组合的电源线最好用不小于30安培的电线,而连接滤波器,隔离牛的线和插座排苏的素质也绝不能马虎,记着,不同材质的线材也有不同的音色和表现,你可以利用这方面来校声呢!记着,这系统的功率只能供应一般耗电量不超过约10安培的音响组合(例如功放的功率只有数十瓦的组合),若你用的是巨无霸的功放,你只可把上述的电源处理系统放在耗电量低的前级,CD机之上,再在功放的供电加上电流的滤波器,独立供应功放(如下图示)。
    事实证明,这方式的供电效果亦极为理想。
    切记,不要强把大功率的功放接驳2500W的隔离牛,否则会引起过荷而产生危险甚或火警!
    影响声音的基本因素


    长篇大论谈过有关电的处理后,有些读者曾问我为什么不谈器材,又不谈器材的搭配,又不去谈怎样玩好HiFi?
    在本文踏入正题前,我想回应一下上面的问题。
    器材的测试和详论,在每本音响杂志你都有可能看到,简直可以看到你眼花缭乱。其实测试器材并不简单,首先要将器材的级数(多以价格作参考)定位,同厂原配好的组合测试时比较容易,碰着一些只出单一产品例如只生产CD机,或前级,或线材之类的产品,很多时都需要很费神去为它找合配的器材,否则随便搭配而效果欠佳,凭此而作出结论则容易有偏差而误导了读者,这是不负责任的行为。器材的表现跟聆听环境、搭配、调校技术有千丝万缕的关系,做好每一环节,所费的时间,不是局外人所能理解的。
    我很喜欢新的事物,对器材无论中外,是胆是石我都没有偏好,只要好的,我都乐意接受。很多时我都会参加一些试听的聚会,但自问年纪一大把(虽然很多朋友叫我亚哥,其实不认识我的人,早已叫我做亚伯!)。若把器材搬来搬去做测试,我恐怕我这副老骨头吃不消。我玩HiFi最大的乐趣是将组合调节器校好后,将大部分时间去听音乐,偶尔试试器材是一种乐趣,但整天试个不停,听来听去都是那些试音碟,又要花时间去写评论,对我来说是一种很大的压力和精神负担,花不来,因为我需要做的事情实在太多了。
    器材的配搭,更是要命的事,你找开音响杂志,光是叫你弄清楚世界上有多少牌子,相信没有人够胆给你答案,加上每个牌子都会生产不同的型号,每只牌子的音色取向有所不同,就算你有本事,是神耳快枪手,三数秒内可作判决,把器材配这配那,你只可能凭经验(有时是直觉)把手头仅有的器材或线材作搭配而已,是否适当,测试结果很多时都有所争论,所以读者只可作参考。这器材是否适合你,得要在一个适当的聆听环境,器材经过悉心调校,又没有别人的干扰下真正听过才好下结论。别人的金耳朵(?)不会割下来送给你的!
    闲话表过,还是谈谈除了电对器材的影响外,其他影响声音的基本因素,也是因为有了这些因素,发烧友才有东西可玩,而对这些因素能加以了解,校声时肯定有很大的帮助。第一是环境因素,第二是人的因素。
    先谈环境的因素。这因素最为复杂,因为它包括了:
    一、聆听环境的共震特性。
    二、外来震动。
    三、声音的回输震动。
    四、聆听室的声学特性。
    环境的共震特性:
    任何房间,无论什么尺寸或是什么黄金比例,在某些频段(不限于某一段,可能是多段)都会引起共震而造成房间内某一位置某一频段特别响亮,其响亮可能是倍增,而某些频段亦会互相抵消而减弱,若用频谱测试分析仪去测试的话,房间的频率响应特性曲线会像舞龙般高低起伏不平,就算你用的器材如何高级,也必受制于这房间的音响特性,你如何消除或减轻这房间先天的影响,使响应平直,令组合有好的表现,就要看你玩的工夫了。
    房间的比例以长方形比较容易处理,最忌的是四方形的房间,驻波特别多而厉害,难以处理,稍懂音响的朋友都知道这差不多是死症,很难玩得靓声。
    外来震动
    有些聆听室邻近路边或贴近工场,或隔壁是升降机房或泵房之类,很多时都受到汽车经过时和机器开动时所造成的噪音或超低频影响,令音响器材受到震动而声音模糊不清,这情形,看来只有搬屋或模仿录音室的设计,在屋内做一个完全与屋外隔绝而浮起的房间,做足隔音措施,才可避免。
    声音回输震动
    当音响组合工作时,声音会震动墙壁、天花和地面,更有部分直接或间接冲击音响器材,这些震动经由不同的媒介,例如音响架、空气等以不同的速度和强度先后回馈到器材身上,引起器材震动并产生自身的谐振,导致工作中的器材线路上产生微妙的电子流动变化而令声音变化,结果使声音模糊的现象,可以说是一种失真。市面上大部分的承放音响器材的配件,例如钉脚,什么木、钢砂之类的产品,都是为了对付这类谐震而生产的。
    聆听室的声学特性
    除了上面所谈过聆听室先天因比例和形状对频率特性产生的影响外,每个聆听室的建造时的材料,和日后在室内做装修时的材料、布置、家具、窗帘等一切都会把原有先天的音响特性改变,这些改变部分可预测或计算到,但很多未知因素,例如装修的施工,日后搬入时用的家具的材质,地毡的厚薄,摆设的位置等,是难以估计,也没有数据可用的,就算是音响工程师也拿他没法。正因为如此,聪明的发烧友都不会想当然地去胡乱设计一番,他们多在搬入后,安顿下来,才细意去分析房间的声学特性(或说音响特性吧!)再用目前市面上可以用作调音的材料,甚或一些例如RGP板,Room Ture, Sonex,扩散板之类的专业材料去调好房间的特性,往往比盲目地自以为是地去乱搅一通、到头来难以收拾好。
    事实上,HiFi玩的功夫,除了器材本身的素质和配搭得宜外,大部分都环绕在电的供应(例如前几期谈的电的处理方法),其次是讯号传送(讯号线的搭配和处理),最后而又最复杂而难掌握的是处理上述聆听环境为组合带来的影响而已,当你能掌握比上面更多的知识(上面所述,只是皮毛!)知晓每样因素对器材和音色的影响,又能懂得如何处理时,你已踏上了音响的康庄大道了!
    HiFi经的另一章



    上次谈过聆听环境对声音的影响,今次想谈谈个人的因素对声音的影响。
    这不是指人的身体对声音所造成的影响,虽然一个聆听室内只有一个人或多个人时,声音肯定受影响。(要知道,一个人的吸音量差不多等于七块吸音板,而且夏天和冬天时,因衣料厚薄和多寡也直接影响聆听的效果。)但我想谈的却是个人对玩音响态度,音乐修养,校声技术的高低,学问修养和个性都足以左右和影响一套组合的表现。
    假设一个发烧友,对上期所述的所有环境因素、器材素质、供电处理都能确切了解而且处理得当,这是否就可以达到一个Hi-End的境界?
    无可否认,这人的系统,可能有一定水准的表现,但,若他缺乏了音乐修养,对校声技术一无所知,欠缺学问和各种艺术修养,个性偏激兼胸襟狭窄的话,我肯定他难以踏入Hi-End的境界,进入音乐的殿堂,更难以把自己推向更高层次的精神领域,享受音乐艺术的硕果。
    在谈到个人本身素质造成系统的不同表现,我先在这里作一些简浅的比喻。我相信只要是中国人,只要是曾经受过基础教育,也一定试过用毛笔写字,而书法也是中国独有的一种艺术,少年在学时,我们常常用印字格方式练习毛笔字,经过一段长时间训练后才临摹一些名家碑贴,学习名家的笔法,而一般人认为只要字字端正就是靓字,例如我们见到街边为人写招牌和挥春的人,所写的字,每个笔划齐整,每笔的粗幼一致,每字的大小一致,很多人就认为这就是靓字,认为这就是书法的典范和最高境界,这种观点和欣赏尺度,对一个真正懂得书法艺术的人说就完全不是那回事!
    他们认为这只是一个字匠,用他已固定僵化的技术,把每字的笔画齐整排列出来,像印书的字粒般把字堆砌而成的作品,只是没有灵魂的躯壳,没有生命,更谈不上艺术的境界。
    一幅真正有艺术价值的作品,是具生命力,感染力,能充分表达作者个人的意欲、风格、当时的心境和个人对真善美的诠释,而技巧只是表达的一种方法而已,这就像我们欣赏一幅名书法家的杰作一样,每个字大小不一,有丑有妍,快时像惊雷闪电,慢时像孙大娘舞剑,刚柔并济,整篇布局有致,每字间互相响应,笔触间充分刻划上个人的心境,充满生命力,在流露出个人风格和气质,使人看来历久而弥新,并不因岁月的推移而失色,这才是艺术啊!这才是Hi-End境界!
    这纯是我个人对艺术的肤浅见解,对音乐的重播,我也抱着同一见解。一套音响器材的表现,能做到高中低频平衡,音色靓,动态好,音场立体感佳,能忠实地重播音乐,已殊不容易,但严格来说,若这系统听起来没有感情,未能为音乐带来生命力,未能深刻地表达和诠释音乐家们的乐思乐想,引领听者进入音乐世界的话,那么这系统仍未达到重播的最高艺术境界(State of the Art),这也是我们经常谈论的Hi-End境界。
    上面所描述的境界,其实还未走到艺术境界的尽头,(而事实上艺术肯定是无尽头的),我们知道艺术除了可供欣赏之外,更可贵的是他可供给人类无穷的创造天地空间,去发挥个人的创意,有了创意,艺术才有生命,才可延续而历久不衰。
    重播艺术亦然,除了能忠实重播外,一些高手更能将系统化为表达自我的工具,使重播更具感染力,别有创意,更能表现个人风格和独特的气质,当你聆听他的系统时,你就能体味到他个人的音乐修养,对艺术的品味,人生观,和个人的独特气质。
    我在这里无意唱高调,只是有感而发,因为在三十多年走过的HiFi路上,个人的深切体会和眼见的众多例子中,绝大多数的发烧友都在追求完美的过程中,只着重一些音响上的官能刺激和效果(例如一些专听效果碟的发烧友)或由于思想狭隘,主观过强,沦于偏激,自以为是,在漫长的"玩"的过程中,永远不真正地去接触现演奏,多听和多了解各类的音乐,多读有关音乐书籍和多去接触各种艺术以期增加自己的修养,提高自己的品味。只是终日在校声技术的层面上打滚,试想一个毫无艺术修养和品味的人,他所调校的重播系统能够达到所谓State of the Art的境界吗?
    一套系统的重播,其实是把你个人的一切,包括内心的世界,赤裸裸地暴露在别人的面前,你能掉以轻心吗?
    我希望发烧友在追求完美重播的过程中,明白除了在调校技术层面不断进取外,更能在音乐和其他的艺术层面不断修养自已,与时并进,这样才能达到更高的境界,拓宽自己的精神领域,真正享受到音乐为你带来的丰盛人生,否则你终其一生将一无所得,只是HiFi奴隶一名而已。
    我深切地体会到,练好校声技术固然重要,但没有一个正确的思想作为依归,你最高的成就只能做到上述所讲的街边字匠和复制画的层次,难以达至艺术的高境界。这也是为什么我虽然满头白发,但仍然孜孜不倦,永无休止地去追求的原因。
    HiFi经的重要一环——器材架


    发烧友购置器材后,当然要为他们的宝贝寻安身立命之所。如果你有私人不受干扰的试音室,可以为所欲为的话,你当然可以随意摆放器材,即使把室内弄到杂架摊一样,只要靓声,一点问题也没有。
    在多年玩HiFi的经验中,愈是高级的器材,愈是敏感,同时为了迁就音场,发烧友都避免用高身的器材架,他们多喜欢把器材用各种承托物,或矮架放在地上。有时由于避免器材间互相干扰,往往将器材摆得横七竖八,线材弄到通地都是,在其间走动,就像打梅花桩,一不小心,给器材或线材绊倒的话,小则受伤,大则连机也烧掉,真是一步一惊心。
    要是你能有这样好的环境,只求靓声,一切都可让步的话,你是最幸福的人。
    我相信大部分发烧友都没有这样幸运,他们大多都是把客厅作为聆听音乐或观看电视,和家人聚会的生活空间,器材的摆放当然是能配合室内设计,美观、方便、安全为准,是以大多数发烧友都把器材放在组合柜内,较讲究的便放在专为放置器材的架上,总之是以齐整美观作大前提。
    不用我说,器材放在HiFi架上,声音肯定比放在一些组合柜内好得多,原因很简单,一般的组合柜,都是木制品,部分的背板单薄得可以,而且为了方便用家调整柜内的放置空间,都做成可活动调节的层板,适应放置各种大小不同的物件,试想一个厚薄不均,结构松动的柜子,就像一个大的共鸣箱,器材放进去,好声才怪呢!再者这些柜子在设计时,没有考虑到器材散热,许多时更没预留到走线的孔洞,试想,光是解决接线问题,就足以把你弄到半死。
    HiFi架的方便的确为发烧友彻底解决了上述问题,但却又带来了另外一些问题,而这些却直接影响声音和音场的表现。
    发烧友买架时,第一当然是考虑对声音的影响。市面上有金属制的也有用木或其它物料的成品,它们都各有自己独特的音色,端视个人喜好和选择而定。大多数发烧都喜欢用铁架,因为它坚固,耐用,有些比较讲究的更在架的空心部分灌砂,在架的脚部加上钉脚,甚至有些可以调校架的水平,这一类架的效果都对系统的音色有一定的好处,但当你处理不当时,也会带来负面的影响。
    首先谈谈它的优缺点。
    铁架,经过灌砂加钉脚,一般都会使音色趋向结实,低音比较清晰,线条比较明朗。
    但亦容易使一些原本音色偏向硬,高中偏瘦,低音单薄的组合的音色平衡更偏冷硬,欠缺音乐感和韵味,所以在选择购买这类架时,必需先知道自己的组合本身的音色,才好决定是否购买,否则是得物无所用。
    如何令铁架更靓声。
    要是你真的买了铁架而不幸又不适合你的系统的话,请你不要灰心,可以试试用以下的方法去处理。
    首先要注意钉脚的松紧,通常若把钉脚上紧的话,低音会扎实,高音的线条也比较紧,泛音可能比较少,所以若你感到高音冷硬,小提琴声像锯钢线,冷硬而锋利的话,可能是钉脚上得过紧,你试把它放松,再轻轻稍为上紧,情况可能改善。另一样,不可不知,用铜或不锈钢的钉脚会完全不同声。用铜做的一般音色比较中性,不锈钢的音色有冷硬而金属声特重的感觉。若你的架是用不锈钢钉脚而组合的音色如前述的话,你一定要把钉脚换回铜制品,另一方法就是用一些泥胶(例如文具店可买到的Blue Tack最好用),贴约两粒白豆大小在钉脚上也有很大效果。
    除了钉脚直接影响声音外,承板也绝对不能忽视。市面上很多成品都在架上装上薄铁板,这一类架声音最差,购买时应选一些可另配承板品种,这样用起来时就比较有弹性,可以在日后用不同的承板来校声。
    谈到承板的材料,最好的是用花岗岩石(厚度不能太薄,最低限度要2cm,厚一些更佳),其次是有机玻璃(又称水晶胶,或Acrylic),这两种承板最能收紧低音,整体线条明朗,高音比较生动而不会冷硬。若你的组合松朦,这种材料最合用。
    很多人喜欢用云石和玻璃,取其美观、容易购得到。但经多年验证,云石其实密度不高,而玻璃又太硬,影响到音色过于冷硬而锋利,欠缺音乐感。
    假若你的系统,音色冷硬、干而薄的话,你可用一些硬木板,例如花梨、柚木板之类,但厚度最少也应有2cm以上,有某些MDF板(做音箱用的中密度板)也是非常靓声的承板。
    最后,若架是可以灌砂的话,你可尝试灌入钢砂,或不同粗度的砂粒,以作校声。灌砂份量多少,用不同金属,不同粗幼的砂粒,或将它们混合,甚至加入木糠,都会做成不同的效果,如你有耐性的话,你可以慢慢试,直到满意为止。
    爱音响,也爱妻子


    我认识的众多发烧友,绝大多数都是品行端正,少有不良嗜好,而且家庭观念极重,你不信吗?你看,发烧友除了偶尔在同好家玩过通宵外,大都是一下班便迫不及待般赶回家去,除了吃喝位撒外,便留在家里对着他心爱的器材,用充满柔情,无尽的耐性和无尽的爱心,不眠不休,无怨无悔,死而后已的精神去呵护,用尽一切方法服侍它,为的都是博红颜一笑,令它的歌声乐韵能为自己带来陶醉的一刻,那热爱的程度,恐怕不在妻子之下。
    我曾经看过一篇漫画,一个满面于思的洋流浪汉用叹息的口吻对同坐在路边的另一名流浪汉说:我从前有一个美好幸福家庭,也有一份高尚的职业,一向相安无事,直至某天,我开始听得出不同级别器材的分别后……最后沦落到这样子了,唉!!!
    我当然不希望发烧友为了玩HiFi弄到像漫画中的主角一样倾家荡产,妻离子散,流落街头,只不过,这不是虚构的故事,现实中的确有些朋友为了玩HiFi,过度沉迷,冷落娇妻和家人,导致离婚的例子。
    我亦毫不讳言,我的婚姻也曾为了我对HiFi的狂热而亮起红灯,我记得我最疯狂的一段日子,每星期不但有几晚通宵达旦在朋友家玩HiFi,而且每天晚上在家里都弄到差不多天亮才睡,老妻很多时睡了多觉,午夜梦回时,听见屋里有异声,以为有小偷爆窃,却原来我在昏暗的灯光下躲在喇叭丛中搅野(当时我的系统共用了百多只喇叭单元,连多少部扩音机我也记不起了!)弄到我老妻啼笑皆非。虽然我一家人也喜欢音乐,但也无法忍受我的异常行为而冷战了一段颇长时间,几乎弄到不可收拾,幸好我迷途知返,得到妻子的谅解,互相迁就才化解了这场危机。
    如你经济优胜裕,在家里地位优越,妻子又千依百顺的话,当然可以为所欲为,但你若是只是工薪阶层,又喜欢HiFi,家里有的虽不是河东狮吼,但买HiFi时总是把价钱向妻子报低一大截的话,你总得想办法令你的心爱的音响好好地和你的“母老虎”(今年是虎年)好好相处,否则,当老娘心情欠佳时,不朝你的音箱泼水的话,也会请它吃一记虎尾脚,让它跌个头崩额烂,填海都无人要。
    因此在国外,洋鬼子在买器材时,其中一个要考虑的因素就是W.A.F.(Wife Accepting Factor的缩写),意思就是妻子接受这器材的程度(这当然就是外观靓否,和是否影响家居装修和摆设),价钱方面,不用我教你怎样说了罢?
    器材买了回家,故事还没有完结,若你有私人的房,当然可以悉从尊便,不幸的是大多数人的家,可供放HiFi的地方同是作一家人活动的客厅,甚至是饭厅和书房,而玩HiFi,正如我上期所说,摆放器材这么多禁忌,放在这角落又有驻波,那位置又妨碍音场,这里又不方便,那里又要放书桌,总不成为了玩好HiFi,全家对你的心爱的音响让步罢!
    为了迁就一房多用的原则,为了减少你的音响在"母老虎"心情欠佳时(例如情人节不见你送花,结婚纪念日你又不识趣的话),有被虐待的危险,也为了你宝贝的儿子有张书桌温习功课,更为了你给"恶妻"预留一些地方招呼她的雀友,我不惜厚颜地做一次文抄公,把美国Avalon音箱厂所建议的家居和聆听室合二为一的设计范例列出供大家参考。(附图)
    这图里面所示的器材和家具的摆设,表面上看来并无什么特别,事实上它内里暗藏玄机,不单止合乎实用性和方便性,其中更符合器材的摆位要求和靓声原则,也顾及房屋音响学的理论,看似平凡,其实个中大有学问。
    我且略略谈谈这房间设计上所顾及的各点,日后,有机会时,我才把每点详加讨论
    首先它顾及家居的实用和家具安排的合理性。这房间分为两部份,以房中的沙发椅为界,左边是聆听音乐的部分,而右边家庭的起居和作息部分,提供了书架和书桌供阅读和文书工作的地方,在另一边提供了家人聚会和休憩坐立的空间,合理地分配了有限的空间。
    发烧友所注意的当然不是右方的用途,他们注意的当然就是喇叭摆放的位置,器材的安身立命之所,而最重要的还是音响效果。究竟这房间是根据什么理论来作这样摆设,为什么不像其他人一样在整个房间加上吸音,扩散或反射之类的物料去控制声音?这样子的布置会靓声吗?
    其实这房间里的一切摆放和放置的位置都有一定的理论根据,我就把它的理由说出来供大家参考。
    先看房间左面,音箱后面的墙壁没有什么摆设,墙是光脱脱的,而在最右面的墙则装上了书架和书桌,另一角则放了重型的曲尺沙发,茶几和角几,这里说明了两样东西,第一是左面音箱后的墙没有任何物件而且没有吸音箱装置,(当然,主人家可以挂上壁画之类),这位置在音响学上称作活端(Live End),可以反射声音,令声音听起来生动活跃,而在它的对面(即图中的右墙),因为装了书架和沙发之类的家私,减低了反射和有吸收的功能,令大部分声音被吸去,因此被为Dead End(死端)。这样的设计正巧妙地运用了家具的陈设去符合Live End和Dead End的理论。另一方面,书架的书,书桌和沙发等因能吸收大量低频能量,有效地减低低频在墙角的驻波,令低频更清晰,更准确和减低因驻波而引起的隆振。
    第二是音箱所放的位置。音箱摆位是玩音响的过程中最难克服的一个难关,无论你的器材怎样了不起,你摆放的修为不到家的话也是徒然。光是谈摆位,可以用几百字概括,要精细地去研究讨论各种摆位的方法和优劣的话,我相信写一本专著也可以,我日后有机会再和大家研究。今次我只是精略地说,这图的摆法并不是最好的摆法,由于音箱的背后距离太短,会影响音场的深度。音箱摆事实放在一个这样的房间,通常放在房间长度约三分一的地方会最靓声,音场深度最佳。这图的摆法(只是房间的五分之一的位置),是一个家居妥协的摆法,可以满足一般的要求。
    第三是器材摆放的位置,上次我谈器材摆位时曾说过两大忌,一是摆在驻波区,第二是摆在破坏音场结像的地方(例如叠高放在两个音箱之间)。这图的摆法很聪明,把器材摆在沙发椅不受驻波影响的地方。功放放在两个音箱之间稍后之处,只要是放在地上,或用适当的矮架承起,对音场的结像,影响也不大。
    第四是音箱的两旁挂上了窗帘或挂毡之类的吸音物,主要是因为一边是窗时,因为挂上窗帘的关系,会吸去部分声音,令两边声音不平衡而需要在它的另一面挂上挂毡或类似吸音布料令两边声音达至平衡。
    当然在聆听位置前后铺上地毯是省不了的,至于地毯的厚薄,需视乎整体音色平衡度而定,高频太多则宜铺厚地毯,地毯的面积稍大亦无妨,反之,地毯用薄一些而面积小一些则音色比较活跃。
    这样子的设计,你不要小看它,很多高手都是用这方法找到他的靓声,令他心爱的音响和他的老婆好好地相处,合家乐融融。
    电 的 余 波


    自从谈过电的处理方法后,接触到不少读者,他们提出很多有关电的其他问题,是我没有在以往的文章谈及过的。而其中很多都是有趣而又有建设性的,所以我今期把他们的问题公诸同好,也把我个人的浅见提出和大家研究一下。
    从头开始
    有位读者问,既然由供电局供电的电线和总掣都是一般合乎规格的货色,经多年使用,老化和性能衰退在所难免,发烧友在入屋的总电掣用上靓线和插座,其改善的效果值得存疑。
    的确,供电局所提供的只是合规格的货色,但经多年使用,电线都少不免有老化现象,例如铜的表面会氧化,电的总掣开关接点的氧化,因热涨冷缩的关系,固定电线的螺丝会松脱导致接触欠佳,插座和插头的接触面氧化等等因素,都会因岁月的推移而逐渐显露出来。音响器材对供电的敏感,超乎你想像之外,除非你不是发烧友,否则,就算你不换上靓线之类的发烧补品,只需把插座的螺丝一一锁紧,把接触点擦干净和钳紧,将电线氧化了的部分剪去,重新接驳,你一定可以清楚地听到声音的分别,效果肯定是正面的。
    虽然供电局提供的入屋电线我们是无法去改变,但总掣的素质和屋内的电线总可以有改良的余地。若我们能用上优质的总掣和电线,加上严格的施工,靓声必定有所保证。
    残旧的电线,氧化发黑的接触点,松脱的插座和插头,不单为音响系统带来杂声,在使用大电流的扩音机时,更会引起电线发高热而导致火灾,你能掉以轻心吗?
    若你发觉家里的电线和供电系统的各环节已使用多年,你的音响系统杂声多,声音毛噪,低频瘦弱,松散,高音粗糙,当用上一些补品级的电源线时,效果又稍好的话,你不妨考虑请合格的电工把供电系统的电线和插座换上优质的品种,这比起你花上一万数千元买一条电源线更立竿见影而且省钱得多。
    电压波动
    电压波动在各地区普遍存在,其波动的幅度,更令人担心,某些地区有时会低至180V,高时会升至差不多240V。很多器材会因此而不能工作甚或烧毁。因此有读者问及是否可以用稳压器去补救,以保障器材的安全和令到声音有所保障?
    多年的经验证明,电压的高低肯定影响器材的表现,一些高级的器材更甚,我就曾经用一些巨型的可调变压牛去试过一些机种在不同电压时的表现,发觉只是三几伏的上落,声音也大打折扣,所以稳定的电压和充足的电流,是靓声的基础,是不容质疑的。但电压的上落,不是由个人控制,用上稳压器去补救,理论是对的,但效果却不能保证,究竟原因何在?
    市面上的稳压器约有两种。一种是用电路去控制调整电压的火牛,而达到稳压的目的,另一种是用电子线路去稳定电压。
    首先谈谈第一种稳压方式,这种方法是由一个电路感知供电电压的高低,然后由另一组电路相应地去推动一个马达,把可调整电压的火牛推动,改变电压,当达到预定的输出电压时,便停下来,这样使可达到稳压的目的。
    第二种是没有机械部分(即推动马达),纯用电子稳压方式工作,这种方法是比较精密而且成本极高的稳压方式,多用于电脑或仪器或需极高稳定电压工作的器械上,越大电流的稳压成本越高,它们设计时的对象不是一般音响器材,所以发烧友用上了也不一定保证靓声。
    第一种用调压牛工作的稳压器在工作时,若电压不停地波动的话,你会听到的、的或搭、搭的机械声,若调压牛的接触点不洁或跳火的话,更令器材发出杂声甚或噗噗声,令人担心器材的安全。再者,若调压牛的功率不足的话,器材的表现会大打折扣,声音更会有干硬,毛糙和动态欠佳的表现。这类稳压器是否适合你的系统,真要试过才知结果。
    第二类电子稳压方式工作的稳压器虽然精密,但一般提供的功率并不高,器材用上了并不见得有好的表现,多年来,我也试过不少,也曾把用在巨型电脑的稳压器试用在音响系统上,但效果也是不理想,最后还是放弃不用。这类稳压器,不是没有适合音响系统的产品,而是价钱贵得令你咋舌,我就曾经试过一部差不多有一张书桌这么大的稳压器,效果极佳,但价钱吗?四十多万元!你会买吗?
    发烧友在电压不稳定的地区玩HiFi,唯有认命!
    滤波器和隔离牛的效用
    我曾不避嫌地介绍过一些电源滤波器和隔离牛,读者也有很多意见反映,大部分人都说他们的系统用上后有正面的效果,但也有读者谈效果殊不理想,希望我能够解释一下原因。
    首先谈谈滤波器。这类产品繁多,用途不一,但多数用于电脑和精密仪器上,根本就没有是为了音响器材而设的,我多年试过的滤波器,数也数不清,真正为音响器材而设计的只有美国的TICE,Clean Image, Power Wedge,日本的Accuphese,英国的Deltec的The Power之类的电源处理器,效果不一,而功率有限,价钱亦非常昂贵,是否适合你的系统,若非经过实试,无从肯定。
    在市面上旧货摊上见到从电脑拆下来的滤波器,我试过靓声的只有一两种,价钱不贵,所以也曾不避嫌介绍,但也不敢保证是否适用在你的系统上。若是不适用的话,你可试试把它用在你的电视机上,可能你有意外收获也说不定!
    有些读者问,他单一用滤波器时,效果不俗,但加上隔离牛后,效果反而差了,究竟是什么原因?
    这原因我也曾详细研究过。首先是功率问题。若你的音响系统总用电量是一千瓦的话,而你只用一千瓦的隔离牛,效果肯定会差。经验得知,隔离牛的功率要有三至五倍的供应裕度,才有良好的表现,所以我只推荐用2.5千瓦或稍细的隔离牛供电给用电少的前级和CD机,解码器等使用。功放就只用滤波,以免动态受到限制。
    第二原因是牛的老化问题。隔离牛用久了性能衰退自然效果欠佳,除此以外,铁片松而引起振动,产生杂音,发热等,亦是造成衰声的原因。所以买旧的隔离牛时,单从表面判断新旧,也会失准,效果是无从保证的。很多发烧友都清楚,牛旧了,衰声是必然的,切勿以为逢隔离牛必是靓声,买旧牛靓声是你走运!
    第三原因是一般发烧友易于疏忽的隔离牛或电源牛的工作周波(Cycle),我们知道国内的标准电压是220V,50周波,但一些进口旧牛的周率是60Cycle时,不但效率效率降低,空载电流变大而引起牛发高热,一不小心更可能引起火警,这类牛不但有潜在的危险,更肯定不会靓声,所以选购时,若没有标示清楚工作Cycle时还是不购为妙!
    200V, 110V, 100V
    一般市面上的器材的用电多是220V,部分由外国进口的产品则有110V或117V,这些电器对电压的宽容度通常都有5-10%,换句话说当一件110V的电器在100V和120之间工作时是安全的。
    上面是一般人的概念,以为一些标志100V的日本器材也当然有5-10%的宽容度,于是不理三七廿一便把它插在110V的降压牛上便照用可也!谁知,过不了十五分钟,连开关也没有接上,机便无声无息地烧了,再也开不着,于是拿去检查,原来电源牛已烧掉了。
    试想,机也没有开着,便把机的电源牛烧掉,你说奇怪吗?很多发烧友都不明所以,莫名其妙。
    原来,这些100V的电器,只适用于日本本土的电压,若用在110V时,往往便由于宽裕度不足把牛烧掉,再者,很多日本的影音器都有预备电路,即是一把机接上电源,变压器已经通电,而机上的电源开关只是装在变压器后面,对变压不起开关作用,所以即使不开着机器,无论接上220V或110V的电源,也会把机的变压器烧毁,所以当你使用100V的器材时一定要用刚好100V的变压牛才可保安全。
    除此以外,若你细心比较的话,每部器材都有它最佳工作电压,太高或太低都影响它的表现。
    上面所述,相信可以解答了部分发烧友的疑团!
    聆 听 室 的 臭 虫


    这里说的臭虫,当然不是指那些可以用杀虫杀掉的臭虫,而是一些不大为人注意,而又确实影响声音,引致一些莫名其妙而又难以解决的,又影响音色平衡细微之处,它可导致发烧友即使换机、换线或是用一些高价音响附件也无法取得所需的效果,但当你能留意除去这些臭虫的话,你可能不用分文,就能令你的组合发出美妙的音色。
    玩音响,要靓声,大家都知道,很多时除了组合的素质外,聆听环境的配合,电源的处理,音箱摆位,附件的使用,家具的摆设等都要小心处理妥当,每样的基本功都注意和处理好,点点滴滴积累起来,这种细致的功夫做得好的话,才有靓声的机会,这就是玩的意思。虽然很多发烧友都能做到上述的功夫,但仍然弄不到靓声,很多时是他们忽略了一些细节和一些视而不见很容易错过或忘记了要处理的事物,引致组合的表现总是不能称意,以下是我的一些捉臭虫的经验,若你发觉有同样情形在你的聆听室发生的话,你试试用以下的方法处理,效果可能意想不到。
    一、多余音箱的处理
    很多发烧友都拥有一对以上的音箱,他们习惯都摆在同一聆听室内,这些不用的音箱往往是导致组合声音欠佳的元凶,特别是这些音箱摆在发声音箱的附近,无论你把它放在发声音箱的左右或后面,只要是放在同一房间内都足以令整个组合的动态受影响,不但定位受影响而且乐器和人声的凝聚力和质感都使你有一种松散和有气无力的感觉,你只需把这多余的音箱搬走,你立即就可以听到很大的分别!要是不能搬走的话,你试用一截短的铜线把音箱的正负极接起,(再用这音箱时,记得拆掉!)有可能的话,你把这对不用的音箱放到聆听位置的后面,你一定会听出整体的动感,质感和力度都会好得多。
    为什么一对不用的音箱也这么大的影响?主要原因就是当主喇叭发声时,这些不用的音箱也像音叉作用一样起着共鸣作用,当你用手轻按这些不用的音箱的纸盆时,你一定感到它随着声音轻轻震动。这不但卸去发音音箱的不小能量,更因本身变成一个共振体而发出干扰声音,弄到主音箱的声音也因而受到污染,这情况下,又如何靓声?有些严格的试音室只放一对音箱作试音用途,原因正在于此。多年前英国某名厂一位HiFi界中极负盛名的高手就曾经示范过。在一个只有一对音箱的试音室内,把电话拆掉拿走,在场每一个人都清楚地听到有显著的改善,你试想一下,电话话筒的微型喇叭也有这么明显的影响,诺大的音箱上的喇叭会不产生负面的影响吗?
    当你不能把没用的音箱移走别处,用短铜线把正负极短路也会起作用?是的,当你把它短路时,单元的纸盆震动产生的电源会回流到音圈,这反电动势会产生反作用力抵消纸盆振动,因而减少活动范围而减低对主音箱的影响,但效果当然不及把音箱移离聆听室。
    二、室内空箱和木柜,通气槽的影响
    若室内放置有箱子和木柜,而又装有冷气槽的话,这些都是共鸣体,处理不好的话,肯定会隆隆作响,影响整体的高中低平衡,而且无法取得快速有力,结实和富有动态的低频。其实这些箱子和柜若能好好地小心处理的话,它们反而可以用作调整低频之用,方法亦很简单,用书本和衣服棉被或毛毡之类的物品不规则地塞至大半满,箱内留小小空间,这些箱或柜子放在低频的驻波区,就可把大部分的低频驻波吃掉,把这些箱子放在聆听者的后面和墙角也有很不错的效果,这些箱子或柜的门更可利用来调节吸收音量。
    至于风槽或冷气槽就比较难处理,一般可用吸音棉把它包起来,如果效果仍不理想的话,那只有用木条加固,或用一些像泥胶的冷气喉用封胶贴在减低它的震动和共鸣。
    讲起箱子,使我想起一次有趣的经历,我记得有一次到一位发烧友家里作客,当听钢琴和敲击乐时,有些频段总是咚咚作响,起初以为是音箱有问题,但走近音箱细听又全没问题,一时间大家也摸不着头脑,后来在无意中伸伸懒腰,一脚把茶几底下的曲奇饼铁盒踢了出来,才发现这个空的饼盒竟是元凶,每当箱发出某一频段的声音时,就引起它的共鸣而咚咚作响,把它拿走便一天光晒!所以发烧友平时要多留意不要把那些空箱和空罐之类的东西留在聆听室内造成怪声。
    三、音箱上不宜放在杂物
    我们很多时在发烧友的家中和一些杂志的照片上都看到人们很喜欢在音箱上放些小摆设,或为了美观,盖上一些花布或刺绣之类的物品,其实大多数的音箱顶部都不适宜放任何杂物,因为对高音的频段有很大的影响,但相反,若你能好好地利用音箱顶对高音敏感的特点,你可以用不同的物质校声,例如当你感到高高暗谈,空气感不足时,你可以把音箱顶上的小摆设,布公仔或吸高音的东西拿走,你往往就解决了问题,但若你感到高音太亮时,你又可以用一小方棉或绒布放在音箱顶移近高音单元处,往往收到很好的效果。以前我就试过一只日本叫Combak的调音片,可以放在音箱上调节高音,一般来说,音箱顶最忌放重物和一些吸音性重的东西,它不但影响高频的延伸,更影响音像的高度和结像力,使声音失去很多细节和空气感。
    同样道理,很多机都忌用重物压在上面,这样会使声音死去,欠缺生气和余韵,若你真的用重物压在机上的话,你先试听一段的小提琴音乐,然后把重物移去再听听,你就知道什么事了!
    四、壁画、挂毡和盆栽的放置
    为了点缀家居和美感,很多发烧友都喜欢挂上画和挂毡之类东西,更见很多人喜欢在音箱附近放些盆栽。这类东西不要看轻它的作用,很多时声音发生问题时,往往就是它们作怪,例如你在音箱的旁边挂上一幅用玻璃框镶好的画,往往就由于玻璃的反射太强,而使左右声道失去平衡,做成一边大声的结果;一般挂毡都具有吸音能力,把它挂在一边音箱的第一次反射点时,也往往做成一边细声和结果,除非你能在左右对称地挂上同样的挂毡,否则不挂也罢。
    放盆栽的道理也一样,由于那些茂密的叶子多的盆栽对声音的扩散起一定的作用,放置时更要留意是否会影响结像和定位,当你发觉音像松散无法结像时,你试把它们移到另一些位置去看看是否有改善,才好决定把它放好,不要只求美观而随意放置。我就曾以把两盆矮树移离约半米便解决了音像松散和定位问题。
    不要只顾换机和换线,只要你花少许时间去捉捉"臭虫",你肯定有所收获!
    望 天 打 挂


    全球的天气,年来受到厄尔尼诺现象的影响,不少地方的气候都反常,不但带来不少的天灾,严重影响我们的生活和生态环境,就连发烧友也受害,何解呢?你还记得吗,前几天下着连绵大雨时,你在家听你的心爱组合时,你有否感到你那类组合的声音象鬼食泥一般,又或你的死党苦着脸向你哭诉,他的名贵组合变了声,不堪入耳,不知出了什么乱子,又或你去到那些HiFi铺,效果都是难以入耳,真的是象音响末日似的。
    不错,天气的变幻,直接影响音响系统的表现,如你留心天气的变化,留意各种不同天气下,音响系统所表现的差异,识得望天打佳,一旦有失常的表现时,你就不会盲目地去疑神疑鬼,把系统搅来搅去,换机又换线,不但花精神,有时甚至伤及荷包呢?
    我有位老友,每天都望天打挂,家里除了温度计,湿度计外,更有一座航海家用的专业气压计,每次开机前,都要看看当日温度和湿度的比例,更重要的是看看气压的高低,然后才决定开机与否,如果湿度太高或气压不正常的话,他就索性不开机而看电视节目去也。曾经有一段时间,他每晚开机前,都打电话给我,告诉我当天气压是否正常,湿度是否适当,并作出靓声预测,以五盏灯为准,最靓声是五盏灯,稍差是四灯,如此类推,并且预测当日是否高音过多还是适中,低音是否爆得起等。起初我只是当他开玩笑,不以为意,但我这朋友认真异常,语气严肃,使我也渐渐留意他的预测,留意起自己组合在不同天气情况下声音起变化。
    经过一段时间(约两年吧!)的观察,我和一班发烧友都有差不多的结论,天气的确对音响系统的声音表现,有很大的影响,一般来说,音响好坏与大气压力最有关系,气温和湿度虽然肯定应有一定程度的影响但仍不及气压变化影响大。据经验所得,当气压向高或低移动时,音响效果最差,但当气压持续稳定时,无论是高气压也好,甚至低气压也好,效果都不错;高低气压稳定时,系统声音的取向当然有所不同,但那只是音响特性的不同。
    每每当气压起变化时,例如气压由低趋向高时,则高音有偏高的感觉,低音没有气势,总有点不对劲的感觉。相反,当气压由高趋向低时,你会感到声音粗重,干涩和欠缺开扬的感觉。上述的情况多是发生在气压变动时最为显著。但当稳定下来,不论高低,都有不错表现,而在正常气压(水银76cm)而又稳定时,音响系统的表现最靓声(校得不好的例外!)
    除了天气外,一些也会影响声音的因素(不包括已知或还未知的),我试把它出来作为大家参考。
    一、电力不足,例如地区供电不足,电压下降,又或天气热时,在高峰用电期间时,任何组合,相信也不会好声到那里。
    二、聆听环境和时间,一个聆听环境的色调、布置、附近环境的干扰,家人的活动都足以影响你的情绪,在时间方面,你总是感到日间没有夜好,夜间又没有深夜时好。
    三、个人的心情和精神状态。当你心情欠佳,烦躁不安,大喜大悲时,什么音乐也不见得好听;如果你精神
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  • · 老梁谈音乐 (作者:schiff 时间: 点击数: 316)
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  • 已故梁荣超先生毕业于上海音乐学院理论作曲系,先后担任过广东电视台、广东人民广播电台音乐编辑,其编辑的音乐节目涉及古今中外,内容深入浅出,解说通俗易懂,深受听众和乐迷的尊重和喜爱。《老梁谈音乐》是1986年4月梁先生撰稿及主持、历时7年9个月的长寿节目,后来梁先生将有关资料整理成册在刊物上连载刊出。应网友的要求,本网站设立《老梁谈音乐》栏目,发表梁先生的几十篇论文,以飨读者。

    自从1978年广东电台恢复播放外国古典音乐之后,受到听众们的欢迎,但同时又引起一些问题。有些年青的朋友写信来说:“我很喜欢欣赏古典音乐,它们的旋律很动听,内容丰富多样,但一碰到大型的乐曲,例如交响乐、协奏曲之类,有时就会感到茫然,一大堆乐器奏出很多音乐,怎样去理出一个头绪来呢?”我想:这个问题的提出是很自然的,因为一个刚刚接触到这类乐曲的人,必然会碰到这些问题,正如对一种未了解的事物,你要去掌握它、熟悉它,自然要经过一个理解的过程,世间很多事情很少一蹴而就的。为了提供一些欣赏古典音乐的方法,我就制定一个时间表,打算用分门区别、循序渐进的方法和电台的听众一起探讨。这里面有些是我在长期欣赏古典音乐的过程里,总结出来的一点点经验,有些则是参考了一些音乐欣赏的著作而归纳出来的方法,供他们参考。有一部分资质特别的听众不一定循着这个方法进行,因为各人情况不同,有些人可以直接登堂入室、进入音乐的自由王国,但这种爱好音乐者毕竟少一些,对于一般的听众,我这个方法还是有一定的参考价值。不过这个“怎样欣赏交响音乐”的题目相当大,包括的内容也很多,所以我准备分成12个单元来谈它,这12个单元是:1.感性式的音乐欣赏,2.理性式的音乐欣赏和管弦乐队概念,3.欣赏初阶--舞曲和进行曲等,4.变奏曲在交响音乐中的地位和作用,5.回旋曲和赋格曲在交响音乐中的地位和作用,6.交响音乐的灵魂--奏鸣曲式,7.管弦乐序曲,8.管弦乐组曲,9.协奏曲,10.交响曲,11.标题音乐和交响诗,12.交响音乐的个人风格与流派。


    一、感性式的音乐欣赏
    首先,要说明一下“交响音乐”的定义,是泛指西洋管弦乐队演奏的乐曲,例如交响乐、协奏曲、管弦乐曲,管弦乐序曲和组曲,以及交响诗等等。这里的“交响音乐”和“交响乐”(交响曲)是两个不同的概念,交响乐只是交响音乐里的一个品种,两者不能等同起来的。这一类乐曲演奏起来,由于乐器很多,乐曲结构有繁有简,篇幅即乐曲的长度,小的两三分钟,大的长达八九十分钟,欣赏它们无疑要比欣赏独唱歌曲和器乐独奏曲要难一些。不过这也是相对而言,因为有些器乐独奏曲也可能是比较难以理解和欣赏的。

    我曾经接过一些电台听众朋友的来信,他们问到我以前是怎样开始欣赏古典音乐的。起初我先是对唱歌发生兴趣,那时中外古今的歌曲都唱,亦可以说欣赏歌曲是最基本的阶段,越唱兴趣越浓厚,后来觉得不过瘾了,就向器乐曲方面踏了第一步。那时是40年代,我已经对管弦乐演奏的音乐发生兴趣了,但当时由于条件所限,家里连一架收音机也没有,更不用说现在那些电唱机、收录机、音响组合和激光唱片等等现代音响器材了。另一方面,那时笔者还只是一个普通的音乐爱好者,也没有什么系统的音乐理论基础,只要找得到有关音乐的书、报纸、杂志,就一口气把它们读完,能理解多少算多少。那时笔者结交了一些志同道合的同学和朋友,家里经济状况较为富裕,有台电子管的收音机,同时我们又尽力打听到电台在什么时候有古典音乐播放,于是常常聚集起两三个知心朋友,在收音机旁边按时收听音乐。我国有句成语:“囫囵吞枣”,不管懂不懂,都一律照听,这种欣赏的方式,可以称为“感性式的音乐欣赏”,也就是这个单元要探讨的问题。

    所谓“感性式的音乐欣赏”就是不论你有没有音乐理论的基础知识,只要你喜欢,凭着兴趣和感情,硬是钻进去就成了。那个时候我和同学们最喜欢听的古典音乐,除了管弦乐小品之外大概有贝多芬的《命运交响乐》、《英雄交响乐》和《田园交响乐》,舒伯特的《未完成交响乐》和德沃夏克的《新世界交响乐》等等这些到现在仍然是热门的曲目。为什么呢,首先这些乐曲的旋律都非常动听,容易接受。第二是那时的电台播放这一类交响乐的次数也比较频繁,所谓一回生,两回熟,听音乐有时也会像交朋友一样,你和他接触得多了,你就更多地了解他。这样,在那些美妙的音乐中浸淫的时间长了,久而久之,从生疏到熟悉,像《红楼梦》里,贾宝玉品茶一样,慢慢地就品出味来了。以后,单听这几个交响乐是不够的,随着电台曲目的转换,你会接触到更多和未听过的乐曲,你熟悉的音乐也会越来越多,范围也越来越广。

    单从体会和理论上来讲是不够的,需要举一些例子来说明一下。先举舒伯特的《未完成交响乐》为例,如果你尚在“感性式的”的阶段,这部交响乐的曲式结构、主题的呈现和发展、乐器的应用等细节都可暂时不理,那是要进入“理性式的”阶段才要注意的问题,但起码你要对这部作品的写作背景有一个大概的了解,无疑对它的理解会有所帮助。《未完成交响乐》是舒伯特在1822年写成的,当时他25岁,本来是风华正茂的青春岁月,但乐曲的内容却相当阴暗,不时吐露出苦闷傍徨的情绪。俗话说:“言为心声”,其实作曲家写的音乐大部分也是“心声”,不过它没有语言和文学那么具体,可以准确无误地表达自己的内心世界。音乐虽然比较抽象,但在感情表达方面,有时会比语言文学还要丰富深刻。有些初入门的朋友会问:“为什么叫它 ‘未完成’呢?”事实是这样的:当时奥地利格拉茨城的爱乐协会授予舒伯特名誉会员的称号,为了报答协会的盛情,舒伯特就以这部交响乐赠送给协会。但不知什么原因,这部交响乐的手稿以后就不知下落了。一直到了1865年,即舒伯特逝世后37年,奥地利一位指挥家为了举办维也纳古典音乐作品的演奏会,在一个偶然的机会下,在舒伯特一个兄弟的抽屉里,从一堆乱纸中发现了这部交响乐的手稿,这才得以在听众面前首次演出这部作品,当时是维也纳音乐界的一件大事,从此人们对舒伯特的交响乐创作才华有了新的认识。这部交响乐和一般的交响乐有所不同,它只有两个乐章,不像通常的交响乐有三至四个乐章。在舒伯特遗留下来的草稿里,还有一段小步舞曲,虽然只有几个小节,但很多音乐学者经过考证之后,都肯定这本来就是第三乐章的开始部分,但为什么不把它续写完呢?有人说舒伯特来不及完成它,但在这部交响乐之后6年,舒伯特又写了一部篇幅很长的《C大调第九交响乐(伟大)》,显然这不是“来不及”的原因。比较多而合理的意见是:舒伯特觉得在这部交响乐里已经把心里的话说完了,没有必要再加添什么,否则就是多余的话了,因此就成了一部“未完成”的作品。多少年来人们也已经习惯了只听这两个乐章,没有什么不满足的感觉,于是就以这个带有“缺陷美”的方式流传下来。如果你是古典音乐的初哥,而手上又有这部分交响乐的唱片,你不妨听它一两遍,先不去顾及它的曲式结构,所用的和声手法,调性转换的安排,以及管弦乐配器手法等等问题,因为这些都属于“理性式音乐欣赏”的范围,现在你只要从感情方面投入去就可以了。

    听完了舒伯特的《未完成交响乐》之后,你有什么感觉呢?据我的经验来说,我觉得从音乐中体验到一种忧郁的沉思、诗意的气氛,内心的彷徨,已经达到了凄楚的程度,这也是舒伯特要在音乐中表达的思想和感情。当然音乐当中也有明朗和较为舒展的部分,例如以大提琴大奏出的主题就会使人感到安抚。第二乐章则充满了温馨和如梦如烟的情思,但从整部交响乐来说,总的情调是悲剧性的。说起悲剧,在文学艺术方面它是最能打动人心的,莎士比亚的《罗密欧与朱丽叶》的缠绵悱恻,《奥赛罗》的强劲沉雄,都使人看了之后久久不能忘怀;巴金的《激流三部曲》中,《家》、《春》、《秋》写的也是一个悲剧,它反映了一个没落的时代,一个没落家庭的悲剧,这在当时的社会是很典型的,但这个悲剧过后,会迎来一个新生的社会,这些著作都能够产生一种感人的力量。音乐也是如此,舒伯特所处的时代动荡不安,生活上穷愁潦倒,柴可夫斯基的“世纪末”的敏感,拉赫玛尼诺夫为即将逝去的旧俄时代唱着挽歌,他们的音乐也一样会产生强烈的悲剧感,很容易深入人心、打动人心。笔者有一个体会,听了舒伯特的《未完成交响乐》的第一乐章之后,如果不听它的第二乐章,心理上会产生不平衡的感觉,因为也像其他艺术一样,需要有对比,乐器音色的对比,和弦色彩的对比,从整部作品来看,要有乐章之间的对比,这样才能得出平衡与统一。《未完成交响乐》的第二乐章也一样充满诗意,虽然还有那么一点忧郁的色彩,但已经没有什么矛盾和冲突,情调也明朗一些,好像孤独的心丢弃了绝望的痛苦,在感情世界里面去寻求慰藉。还有对生活的热爱,渴望生活中的欢乐和美,渴求从折磨人的苦难和悲伤中求得解脱。

    从对比的角度出发来说明“感性式的音乐欣赏”的另一方面,我建议朋友们去领略贝多芬一部充满斗志、英雄式的音乐诗篇,他最著名的《C小调第五交响乐》,又叫做《命运交响乐》。许多年来不管文学作品,包括小说、散文、剧本里,常常出现描写这段音乐,即“命运敲门的声音”这个主题的文字,在电影和电视里也常常出现《命运交响乐》的音乐片断来烘托剧情,以取得一种富于寓意的特殊效果,可见这部音乐作品已经深入人心。当然,有些应用得好的会增加剧情和画面的感人力量,但也有的运用得很牵强,未必能达到预期的目的。而且这里用,那里也用,用得太多太频繁了,就显得“滥”了,就会失去动人的魅力。不过,在纯粹欣赏这部交响乐时又当别论。无论什么时候,只要你一听这部音乐,精神上就会受到鼓舞,这种情况,在你欣赏别的作曲家的作品是很少碰到的。而且一部交响乐作品,很像一部文学巨著,当你在青少年时欣赏它,自有一番初步的感受,而随着年龄的增长,社会阅历的加深,对人生的看法也比较成熟,当你再次欣赏这部交响乐或者文学巨著时,你会有更多更深刻的感受,这些音乐和文学作品之所以能够流传很久、很广泛,它的道理就在这里。你多欣赏一遍,有时会发现一些东西是你以前没有注意到的,所谓博大精深,就是真正的文学艺术能够有持久的生命力的奥秘。

    贝多芬的《命运交响乐》作于1808年,其实早在三年前他就已经开始酝酿这部伟大的作品了。虽然在这几年里贝多芬还写了好些作品,例如《第四交响乐》、《热情奏鸣曲》等,但他始终没有中断过这部交响乐的构思,一个所谓的“命运”的主题一直在他的脑子里翻来翻去。命运,它真的主宰千百万人的生活吗?无数的悲剧和幸福是由“命运”所操纵着的吗?欧洲启蒙运动的思想使贝多芬对所谓的“命运”产生了怀疑,能不能用人的意志力去克服它呢?能不能用不懈的斗争去改变自己的生活,也即是所谓“命运”呢?这就是贝多芬在这一部充满哲理性的音乐作品中要探讨的问题。在音乐里,他揭示了人在生活中遇到的失败和胜利,痛苦和欢乐。生活和道路可能是坎坷不平,崎岖曲折的,要通过战斗才能摆脱“命运”的左右。
    打开这部交响乐的大门的钥匙是下面那个特定的主题:mi mi mi do-。贝多芬曾经说过:“命运就是这样敲门的。”他还说过:“我要扼住命运的咽喉。”这两句话是我们去欣赏这部交响乐最好的启示。当这个“命运”主题出现之后,就以各种不同的变化和形象在音乐里出现:有时是威严的,有时使人感到生活的艰难险阻,有时候是欢乐的,但又表现了倔强的情绪,甚至透露出悲哀,真是千变万化,呈现了复杂的众生相。在这些诸多的变形中,如果你留心地聆听,还是可以辨别出这个主题的本来面目,而且随着音乐的进行,你可以把自己的感情也投进去,和音乐融化在一起。

    当你第一次听这部交响乐时,不可能百分之一百地了解这些音乐。我在前面说过,欣赏一部内容复杂的交响乐作品,会像结交朋友一样,不可能凭一面之交就能够比较透彻地了解一个人的性格和表现,何况他的内心世界,这也许是一辈子的事。但不要紧,只要你有兴趣,你在以后的岁月里可以多番欣赏它,以后还要欣赏贝多芬其他的作品,还要欣赏其他作曲家的作品,这可能也是一辈子的事。

    上一期在阐述了感性式的音乐欣赏之后,自然就要转到理性式的音乐欣赏这一部分。所谓感性式就是说当你在欣赏交响音乐时,可以不管乐曲的结构,什么反复、模进、两段体、三段体、主题的对比、变奏曲、回旋曲、奏鸣曲等等的概念,只要你在音乐的洪流中寻找感情上的共鸣,捉摸作曲家心灵的轨迹,追随他在音乐里吐露的心声,灵魂的剖白,与他一起体味着欢乐和哀伤。然后,随着你欣赏的的次数与日俱增,你会慢慢地加了体会,从音乐中品尝到比欢乐和哀伤以外更加多样、更加复杂、更加深刻的感情,所谓七情六欲尽在其中,而这些感情是难以用语言和文字来表达的,也就是俗话所说“只能意会,不可言传”。如果你达到这样的地步,就证明你已经是初步入门了。但这还不是最终的阶段,如果你对这个觉得不够满足,要求得到更多一些,那就要再进一步,欣赏交响音乐的结构美、色彩美等等。最后还可以更深一些欣赏每个作曲家的创作方法、表现的风格,还有演奏方面的,包括独奏、乐队和指挥的特点,再就是唱片中的录音效果,版本比较、指挥、乐队、独奏者在不同的时期所录的不同版本的比较,如果你达到这样的阶段,那就是进入随心所欲的最高境界。

    一般来说,对交响乐的欣赏,大都是从感性式欣赏逐渐转到理性式欣赏的,但有时可以是两者同时进行的。理性式的欣赏也可以分为两种:一种是音乐专业人士,或者是音乐学院的学生,他们在欣赏的过程中,要同时弄清楚乐曲的结构,研究乐曲应用的和声手法、创作手法和配器手法等,对他们的要求是高得多的。但作为一个普通的音乐爱好者,如果你要像前一种人那样去钻研,那也未尝不可,如果你对交响音乐的基本知识有一个大概的认识,即曲式结构、乐队音色等懂得越多,那么你在欣赏这些音乐时就会得益越多。就拿曲式结构来说吧,,一部交响音乐绝不会由长长短短、互不关联的音乐片断凑合而成,它本身有着自己的规律和结构,这些结构就是所谓“曲式”。曲式有多种多样,对称的、不对称的,都是乐曲构成的因素,阐述这些因素要多花一点篇幅,这个留待以后再一一论述,现在先谈交响音乐的色彩美。因为交响音乐是用一个大型或者较小的管弦乐队来演奏的,它有很多种乐器,先辨别一下这些乐器的音色,对欣赏将会大有好处。

    所谓音的色彩,就是同一个音高,用一种乐器奏出来,得到的色彩是和另一种乐器奏出来的同一个音是不同的,就拿人声来说吧,从某种意义来说,人声也是一件乐器,不同的人也有各种不同的音色,例如在合唱队里,有女高音、女中音、男高音和男低音四个声部,虽然大家都唱同一个音,如果分声部来唱,你可以很容易分辨出来。当你听帕瓦罗蒂的唱片时,你大概不会以为是多明戈或卡雷拉斯在唱,虽然同是男高音,但他们各有自己独特的色彩,内行的音乐爱好者一听就能分出来。就拿我们日常说话来说吧,有些人尖声细气,有的共鸣很大,粗壮得像牛叫,你熟悉的人在隔壁房间讲话,你虽然不见其人,但你也可以凭声音辨别出是某人在讲话,每人有每人的音色,就是不同的色彩。

    一支管弦乐队的色彩就更加丰富了,它们品种繁多,就像一盒水彩或油画的颜色一样,如果拿它们互相搭配混合,还可以调配出很多的变化色。在管弦乐队里,一件乐器独奏时和一组同样的乐器合奏时,音色也是完全不同的。举个例子来说吧,一把小提琴独奏,和一组小提琴合奏同一个音,效果都不一样,如果一组小提琴用分奏的方式,也即是分为两个声部来演奏,效果更不一样,它会增强了厚度。你不妨拿里姆斯基-柯萨柯夫的交响组曲《天方夜谭》听一下,其中代表舍赫拉查达的独奏小提琴声部和整个乐队或光是小提琴合奏声部是不一样的。

    一个管弦乐队的形成和编制,是有它自己的历史的,这个问题因为不在这次探讨的范围内,所以暂时不去谈它,留待以后适当的时机再去阐述。大体来说,管弦乐队可以分为木管乐器、铜管乐器、打击乐器包括一些色彩性乐器,以及弦乐器四大组成部分,而每个部分又由几种不同的乐器组成。现在按照管弦乐总谱的排列次序,由上至下加以简单的介绍。

    在管弦乐队里,最尖声细声的是短笛,它属于长笛的旁系乐器,在一般的乐队里,不一定有这个声部,只有在特殊的情况下,或者在大型的交响乐队里,即所谓三管制、四管制的乐队里才有它的位置。这种乐器音调很高,有时还会显得稍微有点刺耳,就算在整个乐队用强力度演奏时,也因为它特有的穿透力而能够清楚地听到它的声音。而它的同类乐器长笛则比较明亮甜美,性格也温柔一些,在吹奏快速的乐句时轻巧灵活,吹奏缓慢的乐句时又显得抒情优雅。如果你想单独认识一下短笛和长笛的音色,最好去听英国作曲家布里顿在《管弦乐队指南》,又叫《为青年而作的浦赛尔主题变奏与赋格曲》里面一段,这段音乐用两支长笛和一支短笛吹出活泼轻快的曲调,非常容易辩认。其他的例子可以听普罗柯菲耶夫的《彼得与狼》中的长笛演奏部分,它代表小鸟的角色,实在最适合了。比才的著名歌剧《卡门》第三幕前奏曲也是由长笛主奏,竖琴伴奏的。当然你更可以找一些长笛协奏曲来欣赏,自然更加清楚长笛的面貌及特性了。有的读者朋友可能会问,在音乐会上看到的长笛大都是闪闪发光,看得出是用金属造成的,为什么把它归入木管乐器那一组呢?原来最早的长笛是用坚实的木头做的,后来才改用金属来造,吹出来的声音比较稳定,音色也好,所以都改成用贵重的金属造了。

    双簧管的历史很久远,可以上溯到古埃及时期,就有了双簧管的前身,后来到了中世纪和文艺复兴时期,有一种叫肖姆管的乐器,是用两片簧片发音的,后来经过许多次的改革,到了18世纪后期,才出现我们现在看到的双簧管。它的音色宽阔,有很丰富的表现力,在吹奏活泼愉快的曲调时,声音很甜美,在吹奏悠慢的曲调时,既可以表现出强烈的抒情味道,又可以表达出忧郁的情调,很多作曲家常用它表现田园牧歌的场面。最著名的例子可以听柴可夫斯基的《第四交响乐》里面的第二乐章,在这个片段里,双簧管当了主角,它吹出的旋律使人觉得好像在黄昏时的沉思冥想,还带有一点儿怅惘的味道。像长笛有个小兄弟一样,双簧管也有一个同族兄弟,它叫英国管,也是用一对簧片来发音的。为什么叫“英国管”呢?笔者查过很多音乐辞典,都说不出一个道理来,有的干脆写着“不详”的字样,所以我也没有办法作出准确的解释,从它的外文字面上来看,Coranglais(法、德、意)和English horn(英)是“英国的圆号”或“英国号”的意思,但它的外形又不是一个圆饼那样,也不像普通的号角,所以它的名称就使人觉得费解。英国管的音色介乎双簧管和单簧管之间,它的音色特点是善于吹奏忧郁抒情的曲调。著名的例子可欣赏捷克作曲家德沃夏克的《新世界交响乐》第二乐章广板里的片段,它是由英国管主奏的,但四个小节之后单簧管加了进来,不久大管也加了进来,但你仍然可以清楚地听到英国管的旋律。另一个有名的例子是芬兰作曲家西贝柳斯的《勒明盖宁》四首传奇曲中的第三首《图翁内拉的天鹅》(又译《黄泉的天鹅》),在带弱音器的小提琴和弦衬托之中,英国管如泣如诉地吹出了悲伤的曲调,使人感受到冥府里阴暗的气氛。

    按着通常的管弦乐总谱的排列次序,双簧管下面就是单簧管了。顾名思义,单簧管是用一片簧片发音的,这种乐器有十分丰富的表现力,因为它有比较宽阔的音域,可以分为三个明显的音区:高音区明亮灵活,中音区温暖丰润,低音区浑厚,但音色较为沉郁暗淡,这个只是相对而言,在不同的作曲家的笔下,它的面目是可以千变万化的。加上在演奏单簧管时,快速的乐句常常善于表现欢快活泼的情绪,给人一种流利酣畅的感受。在演奏缓慢的段落时,又显得抒情含蓄,表情丰沛。如果你要认识它的尊容,最好去听莫扎特、韦伯的单簧管协奏和勃拉姆斯的单簧管奏鸣曲以及单簧管与弦乐的三重奏、五重奏,保证你会听得心动神驰。还有莫扎特的单簧管与弦乐的五重奏,也是这种乐器乐曲中的极品,不过,这些室内乐曲已脱离了交响音乐的范围,但作为认识这件乐曲的性能和表现力的一种手段,不妨去涉猎一下。

    像很多现代乐器一样,单簧管也是经过一段比较长的演变过程的。它开始时是欧洲一种民间乐器,一直到18世纪下半叶才暂时定型,莫扎特和一些作曲家最早认识到这种乐器的真正价值,也最早把单簧管采用在管弦乐队里面去,并用它写协奏曲和室内乐。如果你留心一下莫扎特以前的乐队合奏曲,是很少有单簧管这个声部的,甚至在莫扎特早期的交响乐和协奏曲里也没有用这件乐器。由于有了这种乐器,现在通常应用的乐队编制,即双管制就有了两支单簧管,使到木管乐器组的音色更加丰富多样。单簧管也有两种乐器,一种是高音单簧管,又叫小单簧管,在普通的乐队里很少应用,在三管制或四管制的大型乐队中会用上,但它在军乐队里却占有重要的位置,等于普通管弦乐里的小提琴声部。另一种同族乐器是低音单簧管,这件乐器通常在三管或四管制的乐队里才会有,而且都是作为低音部分的色彩性乐器来用,很少作为独奏声部。著名的例子是柴可夫斯基的《曼弗莱德交响乐》的开始部分,这里用一支低音单簧管和三支大管一起吹出曼弗莱德悲哀和孤独的主题,那个效果真够低沉和忧郁,也富于悲剧性。

    在木管乐器组里,大管常常担任本组的低音部分。《曼弗莱德交响乐》开始时那段音乐用了三支大管来奏,但又加入了一支低音单簧管,这已经不是大管原来的音色,是一种复合音色,像调水彩画和油画的颜料一样,已经加入别的色彩。要听到单纯的大管音色,最好去听《彼得与狼》中老爷爷的主题部分,它就是用大管来表现了老爷爷那种温和慈祥,行动缓慢又爱唠叨的性格。要不然你可以找到莫扎特的《降B大调大管协奏曲》来听一下,就更充分认识大管的庐山真面目了。大管这个乐器,别看它的音域可以吹得很低,似乎笨手笨脚的,但这种双簧发音的乐器一样可以吹出快速活泼的乐句,吹奏悠长缓慢,深沉稳重的乐句时也不比其他木管乐器差,因此大管也是一种既可以作低音部分,也可以担任独奏声部的乐器。至于它的同族乐器低音大管可以吹出一组低八度的音,比大管更深沉,但用来独奏的机会就比较少。

    在管弦乐总谱上,木管乐器的下面是铜管乐器。顾名思义,铜管乐器主要是用铜的各种合金做成的,都用吹奏的方法来发音。排在铜管乐器组最上面的是圆号,又叫法国号。如果你去参加音乐会,舞台上常常有两个或者四个演奏者抱着那圆饼似的又闪闪发光的那种乐器,那就是圆号了。圆号的前身在古老的欧洲是一种应用很广泛的乐器,放牧牛羊和打猎都少不了它,就连大小城镇每当有马拉邮车到达前都会吹起邮车号角,这也是一种圆圈形的号角。在管弦乐队里的圆号也有很长的历史,到了18世纪,经过一系列的改革,圆号从自然发音的号角改成现在的机械发音的圆号,可以吹出半音音阶,它的表现力才大大丰富起来,很多作曲家都为它写过大量乐曲。在现在的交响音乐舞台上,古典时期和古典时期以前的乐曲大都只用两支圆号,因为那时的乐队编制都很小,两支圆号就足够,已经可以和整个乐队的音量取得平衡。到了浪漫乐派时期,为了加强乐队的表现能力,乐队编制增加了人数,圆号部分就相应地增加到四支,这样才可以和扩大了的乐队其他各声部保持相对的平衡,不至于在强力度的全奏里被遮盖了。到了19世纪末,有的作曲家例如德国作曲家理查·斯特劳斯在他的交响诗《英雄的生涯》里,奥地利作曲家马勒在好几部交响乐里,以及俄罗斯作曲家斯克里亚宾在《第三交响乐》里都用了八支圆号。因为他们的交响乐都用四管编制,即木管乐器每一种都用四支,音响加起来比较强,再加上弦乐组的人数也大大增加,那么,没有八支圆号就没有办法和这个庞大的乐队其他乐器相抗衡。

    圆号在乐队里的地位也相当重要,既可以作独奏乐器用,也可以用两支至四支甚至八支圆号吹出均衡而音色统一的乐句,效果都是十分迷人的,柴可夫斯基的《第五交响乐》里的第二乐章里,是圆号独奏的,它那独特的音色是那么高雅,那么抒情,那么温暖,好像朦胧的黄昏,有时散发着惨白的光晕,显出一种凝神沉思而略带伤感的情调。圆号还善于表现高昂的感情,或者是狞猎时那种踌躇满志的神态,也就是所谓号角音调。贝多芬的《第三交响乐(英雄)》第三乐章的中间部分,由三支圆号来演奏,效果也十分动人。至今于莫扎特那四首著名的圆号协奏曲更是必听的曲目。

    在圆号的下面,排在管弦乐总谱上的是小号。小号是一件非常古老的乐器,据说有两千几年的历史,即在公元前已有小号存在。如果你留心一下描写耶苏降生的绘画,就会发现在天使们的脚下常常堆放着一些乐器,其中就有小号在内。小号在17世纪时被采纳到乐队里去,最早使用小号的是意大利歌剧作曲家蒙特威尔弟。到了巴洛克时期,在泰里曼、巴赫和亨德尔的乐队作品里,小号占了一个重要的位置。到了18世纪80年代,小号的构造有了很大的改革,能够吹奏技巧很复杂和难度很大的乐句,于是又成了很有表现力的独奏乐器,既能够吹奏铿锵激昂的段落,但也有柔情似水的时候,两支或两支以上的小号在乐队里吹奏强音时,它的声势真够吓人的,即使在整个乐队用强力度全奏时,它也能够力压群雄,不可一世。要认识小号的音色可以欣赏海顿有名的《降E大调小号协奏曲》,以及其他作曲家的小号独奏曲,就可以了解它的全貌了。在通常的双簧管编制的管弦乐队里,一般只用两支小号,在大型管弦乐队里可以用上四到五支小号。例如上面提到过马勒的交响乐里常常用到四支小号,理查·斯特劳斯的《英雄的生涯》和斯克里亚宾的《第三交响乐》都用了五支小号,其阵容之盛差不多可以说是空前绝后了。

    铜管乐器的低音声部是由长号和大号担任的,在一般的管弦乐队里只用两支长号,贝多芬以后的作曲家有时会用三支长号搭配一支大号结合成一组,用两行谱表为这四件乐器记谱。由于在乐曲里用大号独奏的例子不多,这里就不举例了。总之,如果你在音乐舞台上看见演奏者用肩头扛着一个庞大而又闪闪发亮的大喇叭吹奏,喇叭口朝上的那就是大号。至于长号呢,它又叫“拉管”,它的管身很长,在管弦乐队里很容易辨别出来。它的音色深沉有力,但不甚明亮,善于吹奏庄严有力的句子。贝多芬在《命运交响乐》里用了三支长号,使第四乐章产生一种辉煌的效果。在管弦乐队里也很少用长号独奏,只在全奏或铜管乐器合奏时作为乐队的低音部分。贝多芬在《第九交响乐》第四乐章《欢乐颂》的第四部分庄严的行板中用一支长号和大提琴、低音提琴声部合奏,引出了男声齐唱,那雄伟庄严的效果真是不同凡响。

    木管乐器和铜管弦乐尽管有各自的特色,但木管和金属的音色则较为相近,容易融和在一起,因此,在很多作曲家的作品里,常常搭配在一起,有时又担任主要的角色。它们搭配的方法是无穷无尽的,每一个作曲家的配器手法都不尽相同,就形成变化不一,姿态各异的效果。

    上一期我谈到理性式的音乐欣赏的大概原则,而管弦乐队的概念则只讲到木管乐器和铜管乐器部分。在欣赏音乐时,除了声乐、器乐独奏和室内乐之外,以管弦乐队演奏的乐曲像交响乐、协奏曲等等则占了相当大的比例,因此掌握管弦乐队的音色、性能,就会对欣赏音乐会增加好多趣味。

    今期继续讲打击乐器、色彩性乐器和弦乐器。打击乐器的音色和性能差别很大,定音鼓、小军鼓、大鼓、钹、锣、三角铁、铃鼓、梆子等等,基本上都没有共同的性格,有了它们,一个管弦乐队才显得丰富多彩。在管弦乐队里,定音鼓是一个重要的角色,它在强力度演奏时会使整个乐队的音响增加声势,在弱奏时也有丰富的表现力,并产生一种神秘的感觉。例如贝多芬的《D大调小提琴协奏曲》开始几个小节,定音鼓几声弱奏,引出木管乐器的合奏,那效果就显出非常庄严而宁静。三角铁也是一种表现力很特殊的打击乐器,别看它的体积那么小,构造简单,它发出来的乐音,就算整个管弦乐队在强奏时也盖不过它,这说明三角铁有非常锐利的穿透力。在李斯特的《第一钢琴协奏曲》的第三段里,三角铁声部非常突出,形成了特殊的效果,因此有人给这部作品安上一个别名《三角铁协奏曲》。铃鼓、钹和钟琴都是色彩性很浓的打击乐器,但很少有单独演奏的机会,在柴可夫斯基的《意大利随想曲》里,有一段整个乐队虽然全部出动,但这三件色彩性打击乐器的声音仍然清晰可闻。

    响板是一种很有民族特性的打击乐器,尤其是在西班牙非常流行,甚至有些舞蹈可以单独用响板来伴舞。因此,每当作曲家创作描写西班牙风情的乐曲时,常常用响板来加添气氛。在比才的歌剧《卡门》第二幕里,卡门在小酒馆里为龙骑兵何塞单独唱歌跳舞,手里就打着响板,它的声音吱吱嘎嘎,非常清脆响亮。

    木琴在管弦乐里虽然不怎么常用,但是只要它参加演奏,就会做成一种很特殊的效果。圣·桑在他的交响诗《死神之舞》里,用木琴表现那些死人骨头在嘎嘎作响,就很有代表性。圣·桑在他另一部作品《动物狂欢节》里,有一段标题是《化石》的乐曲,也用了木琴那干枯而又响亮的音色来表现干巴巴的化石,以暗示和嘲笑自己和同时代的作曲家因循守旧、思想僵化的弊病。

    钢片琴这件乐器有很浓的色彩性,最著名的例子是柴可夫斯基的芭蕾舞剧《胡桃夹子》里的《糖梅仙子舞曲》。那段音乐采用了钢片琴作为主奏乐器,它的音量虽然小些,但却会形成一种幻想性很浓郁的效果。在这里还有一个小故事,1819年3月,柴可夫斯基接到美国纽约音乐界的邀请,把写好了的《胡桃夹子》第一幕暂时放下,转而出发到美国去。在旅程当中他在法国巴黎等候轮船,发现当地的乐器店有一种新的乐器,那就是钢片琴。柴可夫斯基试奏之后,发现这乐器的音色很特别,大可利用,立刻请他的作品出版商人尤根孙帮他买一架运回俄国,而且要保密。因为柴可夫斯基心想,他的朋友里姆斯基·柯萨柯夫也是一位管弦乐法配器大师,如果消息走漏被他知道,就会抢先在乐曲里应用,那么《胡桃夹子》公演时那效果就不新鲜了。

    在管弦乐队里,竖琴也是一件常用的乐器,有时还用两架竖琴一起演奏,有时用以增加音量,有时分别演奏两个不同的声部,以求得理想的效果。竖琴那华丽的音色,丰富的表现力,是没有其他乐器可以代替的。也是在柴可夫斯基《胡桃夹子》里,《花之圆舞曲》开始时好用了竖琴,充满童话情调,而且形成了幻想的意境。

    作为一件单独的乐器,钢琴的作用有好几种。首先它是一件独奏乐器,在欧美的音乐文献里,钢琴独奏的作品汗牛充栋,简直多得惊人。同时它可以和乐队一起合奏,它充当主角的地位。它还可以和其它乐器一道演奏奏鸣曲、室内乐之类的作品,他们的地位是平等的。再其次钢琴也是一件很理想的伴奏乐器,举凡声乐、器乐独奏作品,大都用钢琴伴奏。主要原因是钢琴音域宽广,音色丰富,演奏技巧复杂多样,表现力非常强,有时还敌得住一个管弦乐队。在比较大型的管弦乐队里,钢琴有时也占有一席之地,担任其中一个声部,作为一件色彩性乐器来用,而它的音色又有别于竖琴,无法取代。这种用法和钢琴协奏曲不同,在钢琴协奏曲里,钢琴是一件主要乐器,它的地位是君临一切,常和乐队相抗衡。在一般的交响音乐作品里,他是次要的。例如法国作曲家丹地的《法国山歌主题交响乐》里,钢琴的地位十分重要,但作曲者不叫这部作品为钢琴协奏曲而叫交响乐,道理就在这里。再如西班牙作曲家法雅的“交响印象”《西班牙花园之夜》也有钢琴的声部,其重要性也不亚于丹地那首,但法雅也不叫它钢琴协奏曲,其原因也一样。

    在打击乐器中,小鼓、大鼓、钹都是常用的品种。小鼓的音色清脆而干涩,大鼓则深沉有力,奏起来很有声势,钹的声音泼辣而有很强的穿透力,在布里顿的《管弦乐队指南--为青年而作的普赛尔主题变奏与赋格曲》里面的一个片段由定音鼓、三角铁、铃鼓、小鼓、钹和大鼓合奏(总谱第13、14页),就是很好的例子,可以十分清楚地听到它们的声音。在上述布里顿的乐曲里还有一段音乐,它逐一介绍定音鼓、大鼓、钹、铃鼓、三角铁、小鼓、木琴、响板、锣,还有很奇特的鞭子,每一两种乐器出现时,可能占的时间很短,但分开来介绍,自然比上述那段音乐更要清楚。

    一个管弦乐队的主力是弦乐器组,由小提琴、中提琴、大提琴、低音大提琴四种同族而又各不相同的乐器组成。小提琴通常分为两个声部,即第一小提琴和第二小提琴,有些乐曲更把它们再细分为两个到三个声部,中提琴和大提琴也有细分为两个声部的,但比较少见。弦乐组的演奏大致上有拉奏和拨奏两种主要方式,当然在某些乐曲中更应用双弦、三音和弦、四音和弦短暂的演奏,更有“近马”和“弓背”的奏法和加弱音器的奏法等名堂,但亦不会超出拉奏和拨奏的范围之外。

    小提琴恐怕是音乐爱好者最熟悉的乐器了,它的音色很好听,接近人的歌唱声,演奏技巧多种多样,因此表现力也十分丰富,如果你要单独听它的声音,可以找巴赫的《无伴奏小提琴奏鸣曲与组曲》或帕格尼尼的《二十四首随想曲》那一类乐曲来听,对于小提琴独奏的声音和十把八把小提琴合奏的声音效果是截然不同的,在乐队里第一小提琴的声部常常奏主要的旋律,当然也有例外作为陪衬乐器烘托其他乐器。在弦乐组里有时要取得丰满绵密的效果,作曲家们喜欢采用分奏的办法,即每个声部除了低音大提琴之外都分为两三个声部,演奏不同的曲调或织体,这样一个弦乐组至少可以分为九个声部,增加了弦乐组的特性和表现可能性。弦乐器的拉奏固然是最基本的,而拨奏偶尔一用,常常可以增加活跃的气氛,效果很清爽。著名的例子有德里勃的芭蕾舞剧《西尔薇娅》中那段《拨弦》,约翰·斯特劳斯兄弟的《拨弦波尔卡》和柴可夫斯基的《第四交响乐》里的第三乐章,尤其是后者用整个弦乐组的拨弦奏法,刻化出一副欢快的图景,好象一个俄罗斯三角琴乐队在演奏轻松愉快的乐曲一样。

    在弦乐组里中提琴也是一个重要的角色,虽然它大部分时间都担任中间的声部,给整个弦乐组甚至是整个乐队充实和声部分,但有时也担任主要的声部。著名例子是伯辽兹的交响乐《哈罗德在意大利》,在这里中提琴虽然是一件独奏乐器,但不是协奏曲里垄断一切的地位,这种情况和上文提到丹地的《法国山歌主题交响乐》非常相似。中提琴音色近似小提琴,但又有所不同,主要是较为低沉,有一种温润的特质。中提琴在合奏时音色更为充实,比独奏时更为浑厚。

    大提琴的高音区在音色上虽然和小提琴的低音区、中提琴的中、低音区有些相似,但仔细辨别的时候,微妙的差异还是可以分得出来的。著名的大提琴独奏曲也不少,例如圣·桑的《天鹅》,是管弦乐《动物狂欢节》里的一个乐章,由大提琴独奏,两部钢琴伴奏。在管弦乐队里,大提琴常常担任低音部分的声部,有时也会担任主要声部,而且在很多情况下和别的乐器声部搭配在一起,产生一种更丰富的音色。最好的例子是贝多芬的《第五交响乐(命运)》的第二乐章,大提琴和中提琴在一起,演奏主题的旋律,低音大提琴则用拨弦的奏法给它们作基础,整个效果使人感到亲切而均衡,那美妙的曲调,堪称贝多芬不朽之作。

    弦乐组最基础的乐器是低音大提琴,如果你去听交响音乐会,那些演奏者站在舞台侧翼,用左手扶着很高很大,像大一号的大提琴竖起来演奏的,那就是低音大提琴了。它们大多数演奏整个乐队的低音部分,也是整个乐队的基础,有了它和大提琴,整个乐队就站得住脚,不会出现头重脚轻的现象。低音大提琴有时会作为独奏乐器在音乐会上出现,但曲目比较少,要找这类唱片比较难。

    熟悉了管弦乐队各种乐器的音色,演奏性能,以及塑造音乐形象的可能性,以后在欣赏有关的乐曲时那种感受和趣味,和以前未了解它们时是截然不同的,而且亦可以在了解的过程中来熟悉,不一定具备条件之后才着手,主要是慢慢积累,日久有功,等到这一步差不多完成,就可以进一步去了解乐曲的结构。因为每一首乐曲都以一定的形式写成,从最简单的两段体、三段体、到复杂的两段体、三段体,一直到繁复的变奏曲、回旋曲、奏鸣曲等形式,都有其自身的规律和逻辑,绝非作曲家信手拈来,东凑西拼,毫无内在的逻辑。你了解得越多,就会欣赏到其中的妙谛,并从内心赞叹作曲家运用形式的巧妙心思。

    理性式的音乐欣赏还包括作曲家的创作手法和风格。每一个乐派、时期,每一个作曲家的风格都是不同的,当然有些特别强,有些较为不那么显眼,就算同一个时代的两位作曲家,除了有这个时期的“共性”之外,也有个人风格的差别。巴赫和亨德尔同属巴洛克时期,但巴赫灵性内敛,深邃恢弘,而亨德尔因受意大利歌剧的影响,就偏向华丽,但晚年又回到朴素庄严的境界。李斯特与肖邦同时代,但李斯特的才华外露,他的乐曲风格锋芒逼人,而肖邦则更浪漫和富于诗意,就算有慷慨激昂的章节,也和李斯特大不相同。当你多听音乐,日积月累,自会鉴别其中的差异,不会把一部未听过,不知作曲者姓甚名谁的乐曲,譬如说把一部浪漫派时代的作品错认为一部巴洛克时代的作品,因为其中的音乐语言都是千差万别的。

    理性式的音乐欣赏还包括乐队和指挥的演绎风格。同是一部贝多芬的交响乐,卡拉扬和富特文格勒的诠释就不一样,其他指挥也有自己的特点,不过要分出其中不同之处就需要更多的经验和更强的判断力。再就演奏家不同的演绎,同是小提琴家帕尔曼和克莱默演奏相s同的作品,恢宏温润的风格就有别于气势凌厉。再深一层来说每张唱片的录音效果、每部作品不同版本的比较,有些指挥和演奏者一生几次灌录同一部作品,每次都有所不同,这些都是理性式音乐欣赏的内容之一,如果你达到这个境界,就会随心所欲,无往而不利了。

    欣赏音乐也像阅读一部伟大的文学著作一样,听一次是不够的,次数听得越多,你就会发现其中有些内容是你以前未有顾及没有体会到的。就拿指挥来说,他未站上指挥台之前,应该对一部作品的各种细节了如指掌,但每次指挥时也许会发现自己以前的处理方法仍有改进的地方,所以在他的不同版本里也许会发现和以前不同之处,早年的录音和晚年的录音就不尽相同。如果你有兴趣的话,可以拿卡拉扬三个不同版本的《贝多芬交响乐全集》来比较一下,别的指挥家也有同样的情况,这样就够你去听的了。

    理性式音乐欣赏的可行办法是多看书,对人家已经写下来的心得经验可以凭自己的见解来吸收或参考,其次是多听,要用心地听,聚精会神地去听,要善于思考,深入地钻到乐曲里去。听完最好总结心得,比较其他乐曲和版本,最好能说出得出自己的体会和见解,这样就会毕其全功了。

    欣赏初阶--舞曲与进行曲
    上几期讲到感性式的音乐欣赏、理性式的音乐欣赏和管弦乐队的概念,其中的“色彩美”是一个很重要的部分。因为一部交响音乐要动用整个管弦乐队的各种乐器,每组乐器都有各自不同的音色,每组乐器互相结合时都会产生新的音色变化。当你在欣赏一幅油画时,除了感受那幅画的思想内容、表现方式、情调、构图、线条、明暗对比、笔触的运用等方面之外,还会注意到画家在调制色彩时的工夫和他的用意。事情也真巧,在欣赏交响音乐时也和欣赏油画差不多,有很多共同的地方。交响音乐听多了,你就会自然而然地注意到乐队的色彩和乐曲的体裁和它的结构,这两种因素就是所谓理性式的音乐欣赏里的主要部分。

    我记得曾经有位电台听众写信来说:“我很想听听交响乐是个什么东西,但当我听了一两次之后,却感到有点茫无头绪。例如一会儿这种乐器奏着一个旋律,又有其他乐器在同时一起响着。有时候有两三个旋律先先后后或同时响着,分不清一个头绪,怎么办呢?”我写信回答他,办法是有的。最好的办法是采用循序渐进的方法,由浅入深,由简至繁,即在欣赏交响乐、协奏曲等大型乐曲之前,先找一些舞曲、进行曲和管弦乐小品来听听。因为这一类乐曲虽然也由管弦乐队来演奏,但在曲式结构方面、在乐队的织体方面都比较简单,容易听懂,再加上这些小型乐曲大都有动听的旋律,容易引起你的欣赏兴趣。

    上文提到那位写信来的电台听众,他碰到的问题是很有代表性的。一首管弦乐曲确是由好几个声部构成,它们同时演奏,就构成所谓“织体”,即是说一首交响音乐,像织布一样由好多条经线和纬线交织而成。乐队的织体大概分为三个部分:第一部分是旋律,它大多在高声部,但有时也会在中声部或者是低声部出现。它在乐队里的地位比较明显,音量也比较突出,你可以毫不费力地辨别出来。因为一个作曲家在创作乐曲时,总是有意识地在配器时突出这个主要声部,而在演奏和录音的时候,指挥和音响工程师也会在乐曲演奏过程里,有意地使主要声部突出或者较为突出,使听众容易辨认出来。第二个部分是低音部分,它是乐曲的基础,相当于一座建筑的基石,如果一首乐曲自始至终都没有低音部分,就会有轻飘飘不踏实的感觉,有了低音部分,一首乐曲才能稳固平衡。再就是第三个部分,中间声部,由一些乐器给主旋律和低音之间填充和声部分,听起来一首乐曲才觉得充实和有层次,而且有立体感和厚度感。在欣赏的过程里,最好能够习惯于同时听这三个部分,当然有时候也会同时或叠着出现两个旋律,但总有一个是主要的,一个次要的(支声部),听多了,你就会很容易地把几个声部区分出来。

    有了上面所说的心理准备,就可以立刻接触简单的舞曲和进行曲了。可以说从古到今,从中到外,一直都有过很多很多的舞曲,因为从人类有文化开始就有舞蹈,跳舞一定要有音乐或者歌曲伴舞。如果有人说,我跳舞不用乐队,也不唱歌,只有鼓来伴舞,或者像西班牙人那样只用响板来伴舞,甚至我只用拍手掌打出一定的节奏伴舞,那也行呀!不错,你可以这样做,事实上也存在这样的伴舞方式,但你要知道,鼓和响板虽然没有乐音,拍手掌也没有乐音,但它们一律都有各种各样的节奏和节拍,这也是音乐的主要因素之一,归根结底,舞蹈仍然和音乐分不了家。有些学者考证,在人类的史前时期和原始社会里,舞蹈主要是宗教仪式的一种内容,有时也表现爱欲、催眠、治病的意图。后来舞蹈又成了娱乐的手段,或者是在战争获胜后表现欢乐,宣泄情绪的一种表现方式。自从有了国家,宫廷和民间都有性质不同的舞蹈。欧洲中世纪时期,由于宗教势力强盛,教会的决策阶层认为舞蹈是淫荡的,和教义相违背,在一段很长的时间里禁止人们跳舞。但舞蹈始终从来没有消失过,教会不让跳舞,人们就躲到深山密林或其他的地方偷偷地跳舞,因此,有些古代的舞蹈音乐也流传到今天,成为音乐史的文献。到了15世纪的欧洲,不管宫廷也好,民间也好,人们冲破了禁锢,舞蹈又盛行起来,而且大张旗鼓地跳,有些民间舞蹈开始进入宫廷,受到王侯贵族的欢迎,并且按照他们的欣赏趣味加以改造,还指定宫廷的乐师为他们创作跳舞用的各种舞曲,于是舞曲便越来越兴盛,越来越具有高度的艺术性。

    要把全世界古代和现代的舞曲都作介绍是很难的,有的有音响资料却没有文字记载,有的有文章介绍却不一定能够找到音响资料,所以在这个“欣赏初阶”里只能选择西洋音乐中一些平时比较容易听得到的加以介绍,这样可以对初入门的音乐爱好者在欣赏时有所帮助。平常我们听得到的舞曲有好多种,有人把进行曲也算在舞曲的范围里面,是因为它们都有共同的特点:即有明显的节奏。说起节奏,它是音乐的四大要素之一,是音乐的骨架,和其他三大要素--旋律、和声、色彩处于同等重要的地位。举两个例子来说,小步舞曲的特点是三拍子,速度一般不快不慢,曲调温文尔雅。另一种是波尔卡舞曲,两拍子,一强一弱的节奏,速度比较快,性格活泼。但要注意不是凡是三拍子的舞曲都是小步舞曲,例如圆舞曲、玛祖卡舞曲也都是三拍子,那怎么分辨呢?这要从它们本身的舞蹈节奏,旋律特有的音型,整体的气质,每小节的重拍放在那一拍上等等来加以鉴别。尤其是每种三拍子的舞曲,都有特别的格调,一般不太容易混同起来。如果有读者会问:什么是气质和格调呢,尤其是音乐那么抽象,太难分辨了。我可以打个比方,譬如说,你旁边有三个年青小伙子在一起走路,边走边谈,你在旁边跟着走,一面看着一面听着。有一个小伙子生得体格粗壮,说起话来嗓门挺大,走起路来登登登的很威武;第二个小伙子长得挺帅,风度翩翩,说话很有分寸;第三个小伙子长得很瘦弱,面色有些苍白,说话有气无力,走路也不大有劲。这三个小伙子的气质怎样,你从他们的体型、说话,一下子就可以分辨出来。当然,如果三种都是三拍子的舞曲就没有那么容易分开了,但只要你多听,熟习它们,把它们加以比较,找出不同的地方,日子长了就可以掌握它们的特点,就会懂得它们的区别在那里了。

    现在先谈小步舞曲,为什么把小步舞曲放在首位呢?因为现在经常听得到的交响乐里,常常有一个乐章是小步舞曲,就算是独立的小步舞曲,在数量上也比较多,它的历史也比较久远,在欧洲流行了差不多有两百年之久。小步舞曲起源于法国,原先是一种优雅的三拍子民间舞曲,大概是跳舞时舞步跨得很小,所以称为小步舞曲。到1650年,法国国王路易十四是一个跳舞迷,他很喜欢跳小步舞,于是在宫廷里大事提倡,没有多久就传遍了欧洲各国。小步舞曲除了作为伴舞音乐之外,还有专门用来欣赏的,常常用在一些大型乐曲里,作为一个乐章。例如巴赫在他的第一首《勃兰登堡协奏曲》里,就有一首小步舞曲。其实那时的所谓协奏曲,是一种乐队合奏曲,只不过有时是一两件或三四件乐器演奏较为独立的声部而已。和巴赫同时代的德国作曲家泰勒曼也写过不少小步舞曲,我在广东电台音乐台介绍这个“欣赏初阶”时,就播放了泰勒曼两首小步舞曲,从这两首同一作者而不同风格的小步舞曲可以大概地领略17世纪欧洲巴洛克时期小步舞曲的风貌。它们都选自泰勒曼的《古代民族和现代民族序曲》,第一首在优雅之中带有严肃深沉的味道,中段用了复调音乐的写法,连速度也加快了。第二首就比较优雅抒情,风格较为接近18世纪的小步舞曲。因为这两首小步舞曲都用在“序曲”里,是其中的乐章,不是用来伴舞的,所以在写作风格上有更多的自由。

    在众多的古典小步舞曲里,最常听到的是意大利作曲家鲍凯里尼的《小步舞曲》。这首乐曲原来是《E大调弦乐五重奏》里的一个乐章,不过它实在太好听了,所以就被人改编为各种乐器演奏的版本,其中以管弦乐队合奏最常听得到。鲍凯里尼生于1743年,比莫扎特大13岁,他的《小步舞曲》除了优雅的共同风格之外,还有一种摇曳生姿、仪态万千的气质,难怪一直是音乐爱好者最欢迎的曲目之一。

    一说起小步舞曲,自然会使人想起奥地利的音乐天才莫扎特,他一生写了六百多部的大型作品,在他的交响乐、协奏曲、管弦乐、室内乐和器乐独奏曲里,都常常有小步舞曲,而且首首不同,都非常优雅动听,真令人不明白他源源不绝的乐思到底是怎么来的。1990年荷兰飞利浦唱片公司为纪念莫扎特逝世二百周年,出版了一套庞大的《莫扎特全集》,其中第六辑是《舞曲与进行曲》,共6张CD,所收录的全是莫扎特创作的独立的舞曲和进行曲,其中小步舞曲就占了一个相当大的比例。

    贝多芬也写过好些小步舞曲,例如那首《G大调小步舞曲》就十分出名,但那首乐曲原来是一首钢琴独奏的作品,由于太好听了,被人们改编为小提琴独奏、大提琴独奏和管弦乐合奏的组曲。在贝多芬的交响乐、室内乐里有时也有一个乐章是小步舞曲,但在性格上和莫扎特等作曲家的小步舞曲却大不相同。贝多芬的交响乐里的小步舞曲更多一些戏剧性,甚至带有谐谑曲的味道,优雅的气质就少得多了。例如在他的《C大调第一交响乐》的第三乐章,你就会体会到那种大胆的乐思、飞快的速度和激越的情绪。

    到了19世纪,欧洲的作曲家们仍然热衷于创作小步舞曲,例如法国作曲家比才在他的《阿莱城姑娘》的配戏音乐里,就有一首很有名的小步舞曲,后来编入《第一组曲》里,原来是在都德的同名话剧第三幕里演奏的,那是一个富有的农家热闹喜庆的场面,所以在优雅之中带有一种朴实的风格。

    在歌剧、芭蕾舞剧和清唱剧里,由于剧情需要,有时也会有小步舞曲出现,例如法国作曲家柏辽兹在他的清唱剧《浮士德的沉沦》第五场里,玛格丽特入睡了,魔鬼梅菲斯特闯进她的房间里,召来一群鬼火的精灵,它们在玛格丽特的周围飞舞,一闪一闪地,于是魔鬼和它们一起跳着小步舞,这就是著名的《鬼火小步舞曲》。

    上文举了几首著名的小舞曲作为例子,目的是说明小步舞曲的各种面貌,其中既有巴洛克时期那种古雅的风格,又有鲍凯里尼、莫扎特古典时期富有活力而又保持高度优雅的气质。贝多芬是一个创新者,他也有很温柔雅致的小步舞曲,但在交响乐里,他又把小步舞曲写成一种符合他强力性格的、戏剧性的篇章。19世纪作曲家柏辽兹、比才又赋予小步舞曲新的格调,可见光就是小步舞曲就有各种不同的气质和姿态,就算是初入门的乐迷在欣赏这种非常通俗易懂的舞曲时,恐怕也不会发生什么困难吧。再从它们的乐器编配来说,主旋律是非常清晰的,低音声部也不难分辨,至于中间的和声声部,只要你留心,多听,也很容易发现它们的踪迹。

    下文要介绍另外一种古典舞曲“加沃特舞曲”。加沃特舞曲也起源于法国的民间,是一种中等速度或较快的四拍子舞曲。17世纪开始流行于欧洲,意大利血统的法国作曲家吕利把它采入自己的歌剧和芭蕾舞剧里,那时候不论民间和宫廷都经常跳这种舞。在17、18世纪时作曲家常常在古典组曲里写上一首或两首加沃特舞曲。例如巴赫的《第三管弦乐组曲》里的加沃特舞曲,它的旋律明快朴素,跳跃的音调表现了蓬勃的生机,也充满欢快的情调。

    比巴赫稍后的一位比利时作曲家戈塞克也有一首非常著名的加沃特舞曲,在很多唱片里都收录了这首舞曲。它原来是戈塞克一部歌剧《鲁吉纳》里的一首小提琴独奏曲,因为太动听了,所以常常被改编为管弦乐合奏的乐曲。

    18世纪意大利作曲家玛蒂尼也有一首非常著名的加沃特舞曲,如果你把这首加沃特舞曲和巴赫与戈塞克的那两首互相比较,就会发现三者同是加沃特舞曲,但气质和格调就不相同,而且很容易分别出来。

    波列罗是一种西班牙的民族舞蹈,据说是18世纪末期西班牙的卡迪斯地方一位舞蹈大师塞雷索所创造,他是根据西班牙古老的传统舞蹈加工改造而成。波列罗是一种双人舞,跳舞时多用响板、吉它和铃鼓等乐器伴舞,也可加入其他乐器或用乐队伴舞。这种舞蹈舞姿轻柔而温雅,但有时又迸发出粗犷的活力。柴可夫斯基在他的芭蕾舞剧《天鹅湖》第三幕里,为了表现西班牙客人的特性,有一段西班牙舞曲,其实这就是一首波列罗舞曲,一开始是响板热情音响,和弦乐组奏出轻快热烈的三拍子波列罗舞曲的节奏。在其他作曲家所作的芭蕾舞剧里,有时也会有波列罗舞曲,这里就不一一列举了。其实在肖邦的作品里,也有一首很好听的波列罗舞曲,不知什么原故,平时很少听到钢琴家演奏它,所以变成肖邦的冷门曲目,只有在肖邦全集里才会找到它,不过它是钢琴独奏曲,已经不属这个《怎样欣赏交响音乐》的范围之内了。

    提起波列罗舞曲,有些乐迷就会想起法国作曲家拉威尔的名作《波列罗》了。由于拉威尔有西班牙的血统,出生地又靠近西班牙,因此他对西班牙的民间音乐很熟悉,而且有过深入的研究,在他的音乐作品里,有相当多是涉及西班牙题材的。他的《波列罗》是一部典型的作品,但篇幅颇长,全曲约有15分钟,所以我在广东电台音乐台播出这一辑《老梁谈音乐》时,只播出了其中的选段。原因是这首《波列罗》是一首双主题变奏曲,而且是一首乐器变奏,即配器变奏的乐曲,在我的计划里,打算在以后的《变奏曲在交响音乐中的地位和作用》里作详细的介绍,如果那时就将全曲播出,将来就不好重复。况且这一个单元以短小的舞曲、进行曲和管弦乐小品为主,加进了这么一首长大舞曲,好像不大合适,也不协调。拉威尔的《波列罗》由两个主题构成,不断地反来复去,但它又是那么好听,一点也不觉得它单调,原来是拉威尔用了巧妙的手法,当这两个主题反复时,它们都用不同的乐器来搭配演奏,就是说每次出现时都用不同的面貌和色彩,而且乐器越用越多,演奏的力度越来越强,慢慢造成一个高潮,这样就会避免单调,给人一种峰回路转,目不暇及的感受。而且乐曲流露出丰富的感情,迸发出热情。这样精彩的音乐,怎会使人厌烦呢。
    上一期我谈到欣赏那些短少的舞曲时,提出要注意构成乐曲的三个声部,即高音部分,常常也是主旋律部分,还有低音部和中声部等,这几个部分构成了多层次的立体感,听起来整首乐曲就很丰满。跟着我介绍了几种不同风格的小步舞曲、加沃特舞曲和波列罗舞曲。今期我继续讲哈巴涅拉舞曲和圆舞曲。

    根据现在许多音乐辞书所载,都说哈巴涅拉舞曲起源于古巴,19世纪流传到西班牙,然后在西班牙有很大发展,而且广泛流传到欧洲各国,在法国也引起很多作曲家的兴趣。但有一部音乐辞书记载,它考据到哈巴涅拉舞曲其实是最早起源于非洲,是非洲黑人的一种民间舞蹈,大概在16、17世纪时才传到古巴,我想这个说法也有可能,不过起源于古巴是比较多的说法,至于起源于非洲只能作“有此一说”就是了。

    哈巴涅拉舞曲是一种两拍子舞曲,速度不快不慢,第一拍多数有附点节奏,或者是切分节奏。在以前的《老梁谈音乐》专栏节目里,我曾经介绍过比才的歌剧《卡门》里那首著名的《哈巴涅拉》,不过是由人声来唱的。有的音乐辞书说这首歌曲原来是19世纪侨居古巴的西班牙作曲家依拉迪亚所创作,原名叫《阿列格里托》,后来被比才加以改编,成了《卡门》里最受人欢迎的歌曲。

    西班牙作曲家萨拉萨蒂也写过一首《哈巴涅拉》,本来是小提琴独奏曲,不在这个《怎样欣赏交响音乐》的范围内,但这首乐曲是由乐队伴奏的(也有人改编为钢琴伴奏),为了让大家领略到西班牙作曲家笔下的哈巴涅拉舞曲,不妨把它作为管弦乐曲来欣赏。

    哈巴涅拉舞曲传到法国之后,似乎很受法国作曲家的喜爱,像圣·桑、拉威尔和夏比里埃都写过这种舞曲,而且非常有名。拉威尔是19世纪法国印象乐派的作曲家,我在上期介绍他的《波列罗舞曲》时,曾提过他有一半的西班牙血统,他妈妈是西班牙巴斯克族人,而且拉威尔出生的地方靠近西班牙,他对西班牙的民间音乐非常熟悉,因此他写了很多西班牙题材的音乐作品,他的《哈巴涅拉舞曲》出自《西班牙狂想曲》的第三乐章,又是另外一种面目,它写得相当精练,但篇幅较为长大的哈巴涅拉舞曲有时也会引人入胜,例如法国作曲家圣·桑那首小提琴独奏曲,就在潇洒的哈巴涅拉节奏之中,发挥了像唱歌那样的曲调,既甜美又酣畅,既细腻又清澈如水,有时又表现真挚的感情,有时又充满忧伤的情绪。总之它所表达的感情是复杂的、丰富的,需要仔细体味,加上乐队伴奏配合得水乳交融,混然一体,所以把这首乐曲列为交响音乐也未尝不可。

    上面提到过几首不同风格和面貌的哈巴涅拉舞曲,虽然不敢说把最精彩的哈巴涅拉舞曲都网罗净尽,如果你找到这几首乐曲的录音细听一下,总会得到一个大致的印象,哈巴涅拉舞曲的特点就是这样。下面我要把话题转到圆舞曲去。

    上面提到过几首不同风格和面貌的哈巴涅拉舞曲,虽然不敢说把最精彩的哈巴涅拉舞曲都网罗净尽,如果你找到这几首乐曲的录音细听一下,总会得到一个大致的印象,哈巴涅拉舞曲的特点就是这样。下面我要把话题转到圆舞曲去。

    圆舞曲的来源很久远,有些说法是:它的前身是德意志舞曲和德国的乡村舞曲,另一种说法是它起源于奥地利的连德勒舞曲,是一种速度较慢的三拍子舞曲,重拍子放在每小节的第一拍,即我们平时所说的“蓬-嚓-嚓”。早在18世纪的时候,已经在一些说德语国家的农村出现,贝多芬曾经根据作曲家兼出版商人狄阿贝利的圆舞曲主题写了一首篇幅很长、有33首变奏的变奏曲,而李斯特等作曲家亦有按这首圆舞曲主题而写的变奏曲,不过那些都是钢琴作品。德国作曲家韦伯也写过一首著名的钢琴作品《邀舞》,它虽然没有写上圆舞曲的标题,但实质上是一首有文字说明内容的标题音乐,因它太动听了,很多作曲家、指挥家都把它改编成管弦乐乐曲,其中有两种改编本最为流行,一种是柏辽兹改编配器的,另一种是菲利克斯·魏因加特纳的改编本。在某种意义上来说,韦伯的《邀舞》也是维也纳圆舞曲的先行者,因为它们都有共同的特点,即是先有一段引子或序奏,然后是四至五段小圆舞曲,再加上一段尾声,这是通用的结构。以韦伯的《邀舞》为例,前面的引子是男士们在舞会上向女士们鞠躬致敬,邀请她们一起跳舞,经过一番寒暄和谦让之后,跳舞开始了,他们尽情遣兴,陶醉在音乐和舞蹈之中。跳舞结束时(尾声)男士们彬彬有礼地握着女士们的手,送她们回到原来的座位上,整首乐曲也就结束了。

    上文提到圆舞曲的前身是奥地利的民间舞曲连德勒,贝多芬和舒伯特都写过这种舞曲,但现在已经较少机会听到他们所写的连德勒舞曲了,而把连德勒舞曲发展到现在的圆舞曲,主要有两位音乐家,一位是约瑟夫·兰纳,另一位是老约翰·斯特劳斯。兰纳一共写过两百多首圆舞曲,他的圆舞曲在风格上比较朴素,有很浓的泥土味,听得出它脱胎于连德勒舞曲。我在广东电台音乐台播出这一期的《老梁谈音乐》时,就以兰纳的《新维也纳乡村圆舞曲》为例,唱片上标明是兰纳的第一号作品。不过,我在查阅罗传开编著的《外国通俗名曲欣赏词典》时,发现书里也收入这首曲乐,不过标题却叫《新维也纳连德勒舞曲》,作品编号也是第一号。因为外国作曲家在编订作品号码时是不会重复的,因此我敢断定这两首不同叫法的乐曲,实在是同一首乐曲,由此可以说明连德勒舞曲和圆舞曲两者之间关系是多么密切了。

    曾经和兰纳合作过后来又闹翻了分手的老约翰·斯特劳斯也为圆舞曲的发展作出很大的贡献,他写过一百五十几首圆舞曲,不过他的成就却没有他的儿子小约翰·斯特劳斯那么灿烂辉煌,维也纳圆舞曲到了小约翰·斯特劳斯手里,才大大地发扬光大。维也纳圆舞曲的结构是有一个短小的引子,或者是一个长的序奏,所用的音乐素材大都采自后面圆舞曲的片断,或者加以变化,起到预示的作用。然后是四至五首小圆舞曲,每首小圆舞又由两段或者三段的材料构成,一首接着一首,中间有时用几个节作为过渡。最后是一个尾声部分,常常用前面出现的主要主题联缀而成,好像让你对前面的音乐再回味一下,起到首尾相应的作用。

    以小约翰·斯特劳斯的名曲《维也纳森林的故事圆舞曲》为例,这部保留了浓郁的奥地利乡村民间音乐特点的作品,有一个长大的序奏,其中有一段标明是连德勒舞曲速度,其实在音乐术语里,“速度”(Tempo)一词常常带有“风格”的含义,正如贝多芬的《第八交响乐》里,有个乐章标明“小步舞曲速度”,实际上它亦含有“小步舞曲风格”的意思。在小约翰·斯特劳斯的《维也纳森林的故事圆舞曲》序奏里那一段连德勒舞曲速度,也即是连德勒风格那段,正好说明了圆舞曲和连德勒舞曲密切的血缘关系。这里要请大家注意,在这一段里有一个声音很特别的乐器,又似大键琴又似扬琴,那是齐特琴,是欧洲一种古老的民族乐器,在奥地利十分流行。(注:在1999年的维也纳新年音乐会的现场实况录像中,就有这件乐器出现)。我在广东电台音乐台介绍到这首乐曲时,采用了插播的手法,把这首乐曲的每部分加以简短的提示,例如序奏的第一部分。……序奏的第二部分。……序奏的第三部分。……第一首圆舞曲。……第二首圆舞曲。……第三首圆舞曲。……尾声部分。这样一来,听众听起来就一清二楚了。不过在这里就不可能,我总不能把整首乐曲的乐谱登在这里,所以只能请读者们在听这首乐曲时注意地听,如果你能找到这首乐曲的管弦乐总谱或钢琴改编谱来对照着听,那就最好,不过这又要求你会看乐谱,不然也很难分清楚那一段是什么。

    上文对维也纳圆舞曲的起源、发展过程、风格和结构大致上说清楚了,这个“风格”很重要,因为这就是圆舞曲和其他三拍子的舞曲例如小步舞曲、波兰舞曲、玛祖卡舞曲等有明显差别的地方,也和法国式圆舞曲不同的地方。什么是法国式圆舞曲呢?这个问题很难用说话讲清楚。例如法国著名圆舞曲作曲家瓦尔德托费尔的作品,它们也采用维也纳舞曲的结构,但风格和气质和约翰·斯特劳斯父子的圆舞曲是不同的。如果要加以区别,只能用比较抽象的词语来说明,就是法国舞曲的特点是细腻、欢乐、明快、热烈奔放、充满青春活力。不过最好的办法是去找瓦尔德托费尔的作品例如著名的《溜冰圆舞曲》听几遍,仔细体味一下,也许会找出其中不同之处。

    在圆舞曲的领域里还有一位很重要的作曲家,他是匈牙利出生的莱哈尔,但从1902年起他便定居维也纳,从事创作的大部分时间也在维也纳,主要的成就是轻歌剧的创作,而他写的也是维也纳风格的圆舞曲,其代表作是《金和银圆舞曲》,充满雍容华贵的气质。在他的轻歌剧里经常穿插圆舞曲在内,例如《风流寡妇》就是最好的例子。

    圆舞曲不单出现在轻歌剧里,在严肃歌剧里也有它的踪迹,著名的例子是古诺的《浮士德》、柴可夫斯基的《叶甫根尼·奥金》,它们是法国、俄国特色的圆舞曲,给圆舞曲增添了很多的姿采。

    可能圆舞曲太迷人了,不少作曲家跃跃欲试,在自己的交响乐和芭蕾舞剧里都采用了这种曲体。说起交响乐里的圆舞曲,自然会使人想起在交响乐里加插一段舞曲的先例。在海顿以前的交响乐大都只有三个乐章,到了海顿的时候,他和同时代的作家家开始把小步舞加进了交响乐里,从此奠定了四乐章的交响乐模式。莫扎特基本上继承了海顿的传统,在交响乐里都有一首小步舞曲。到了贝多芬,这位锐意革新的音乐家觉得小步舞曲太温柔典雅了,不能表达他心胸里迸发的激情和力量。尽管他的《第一》、《第四》和《第八》三部交响乐仍然有一个乐章保留了小步舞曲的名称,但写出来的音乐已经超越了小步舞曲的风格,那种迅风疾吹、雷霆暗哑的力量和幽默的气质相结合,于是产生了谐谑曲,贝多芬在他的《第二》、《第三》两部交响乐里干脆用谐谑曲代替了小步舞曲。到了柏辽兹的《幻想交响乐》问世,由于乐曲内容的需要,中间有一个圆舞曲的乐章《舞会》,从此圆舞曲又进入交响乐的领域之内,柴可夫斯基和奥地利作曲家马勒都在自己的交响乐里写了一首圆舞曲或连德勒风格的舞曲,其他的作曲家也纷纷效尤,使交响乐更加多姿多彩。

    柏辽兹的《幻想交响乐》第二乐章《舞会》内容描述了一个精神恍惚的青年音乐家因为失恋自杀,但所服用的鸦片份量过少,因而陷入一种昏迷状态里,在幻想中他好像来到一个乡村节日盛宴的舞会上,大群青年男女按着圆舞曲的节奏在尽情跳舞,突然他看见心目中的恋人也在人群里面,引起了他的激动和热望。如果说这个乐章除了以圆舞曲的节奏贯穿整个乐章之外,还加入了很多复杂的感情和戏剧性,那么,在柴可夫斯基在《第五交响乐》的第三乐章里,圆舞曲的节奏并不是那么贯彻始终的。乐曲开始时是典雅的圆舞曲节奏,旋律是轻盈而娇媚的,但随着乐曲的开展,音乐又同时渗透着一种焦虑不安、惆怅和热情的心态,它有时充满温暖的意念,但有时又显得灰暗,甚至是冷冰冰的,感情隐晦而神秘。所以,在柴可夫斯基这一乐章里包含的感情比柏辽兹的那首更为复杂,更需要欣赏音乐的人花更多的心思去体味作曲家要表达的感情。

    许多乐迷都知道一部芭蕾舞剧大都有一个比较简单的剧情,而且适合用舞蹈表现它的情节。所以芭蕾舞剧的音乐结构,在每一幕里都是用各种不同的舞曲和场景组成的。在众多的舞曲里自然少不了圆舞曲。不过在这里要指出,19世纪中叶以前的芭蕾舞剧是没有圆舞曲的,因为在19世纪上半叶才逐渐形成圆舞曲这种音乐体裁,等到它流行开来才进入芭蕾舞剧的领域里。以下举些著名的例子。法国作曲家德利布的芭蕾舞剧《葛蓓莉亚》里有一段圆舞曲,它是第一幕里的《场景与斯万尼尔达圆舞曲》,少女斯万尼尔达在广场上向一所屋子二楼窗前的一个姑娘招手,请她下来一道跳舞。谁知那个姑娘葛蓓莉亚是一个木偶,由于造得太逼真生动了,竟然骗过了许多人。这段圆舞曲有一个缓慢而抒情的小引子,然后是斯万尼尔达的舞蹈。乐曲的旋律舒展而委婉,充满少女的活力,表现了斯万尼尔达活泼开朗的性格。

    肖邦从来没有写过芭蕾舞剧,但他写了十多首圆舞曲,都是充满诗意的抒情钢琴小品,现在常常听到一部闻名世界的芭蕾舞剧《仙女们》,所用的音乐都采用有肖邦的钢琴小曲改编成管弦乐曲,其中当然也有圆舞曲。在1906年,俄罗斯著名舞蹈家福金在乐谱商店里偶然发现了一本名为《肖邦集锦》的管弦乐总谱,是俄国作曲家格拉祖诺夫根据肖邦几首钢琴小曲加以配器的,这个发现触发了福金的创作灵感。因为当时福金正致力于改革旧芭蕾舞,企图恢复浪漫主义舞剧特有的美的理想,这一下可找到了理想的题材,于是他着手按肖邦的音乐来设计舞蹈。但后来又觉得那四、五首乐曲并不十分适合编舞,只好重新在肖邦的作品中挑选了八首乐曲,请来另外一位作曲家莫·盖拉为其配器成管弦乐曲,于是这便是现在看到和听到的经典芭蕾舞剧《仙女们》中的一个版本。有一本台湾出版的《大陆音乐辞典》又有另外一种说法,说《仙女们》的音乐是另一位俄罗斯作曲家伊戈尔·斯特拉文斯基根据肖邦的钢琴曲改编的,于1909年演出。我认为一部芭蕾舞剧的音乐改编本有两三个版本也不奇怪,好像韦伯的《邀舞》也有多个不同的配器版本一样,不足为奇,也都为世界的交响乐团所采用。不过笔者查过好几张不同版本的《仙女们》唱片,发觉时下流行甚广的《仙女们》的音乐,却出自罗伊·道格拉斯之手,以上提到的几个版本现在反而很难碰到。读者们如果对此有兴趣,不妨找来《仙女们》的录音听听,如果能够找到录像则更妙,其中的《升C小调圆舞曲》在舞台上是一段双人舞,一位青年诗人和一个仙女表达了温柔的情意,动作十分优美,和肖邦美妙的音乐配合得十分和谐美妙,而且形象地表现了仙女在空气中飘荡飞舞的幻景。

    在号称“世界十大芭蕾舞剧”之中,俄罗斯作曲家柴可夫斯基的作品占了三部,可算成绩斐然。他的芭蕾舞剧《天鹅湖》、《睡美人》和《胡桃夹子》一直在世界各地上演,证明它们的生命力是无穷的。在这三部芭蕾舞剧里,圆舞曲很多,而且篇篇都是佳作,如果把这些圆舞曲都一一介绍,那要占去很多篇幅。俗语说:“管中窥豹,可见一斑”,现在只选择《胡桃夹子》里的《花之圆舞曲》来领略它的风貌吧。那是在第二幕的一段非常华丽的乐曲。它的旋律丰富,情调优美,节奏明快,色彩鲜艳。它前面有一段引子,在木管乐器和圆号的长音和弦衬托下,竖琴发出迷人的音响,那华彩乐段似淙淙流水,也像雪花飞舞,使人进入一个幻想的童话境界,然后圆号吹出圆舞曲的基本主题,体现了一种豪华而庄严的节日场面。

    一个作曲家有了名气,自然会有舞蹈家来找他为新编的舞蹈写伴舞音乐。大的如芭蕾舞剧,小的如舞蹈小品,都需要和舞蹈内容相匹配的音乐。例如前文提到柴可夫斯基的三部著名芭蕾剧音乐就是在这种情况下创作出来的。《天鹅湖》是在1871年受舞蹈家别吉切夫和盖里采尔所托而写。法国舞蹈家彼季帕和圣彼得堡玛林斯基剧院院长符谢沃洛吉斯基在1888年委托柴可夫斯基为它们的《睡美人》谱曲。1891年柴可夫斯基又接受玛林斯基剧院的邀请为剧院的芭蕾舞剧《胡桃夹子》谱写音乐,这些都是典型的例子。法国作曲家拉威尔好像也和舞蹈结下了不解之缘。大型的有芭蕾舞剧《达尼斯与克罗埃》、《鹅妈妈》,小型的舞蹈音乐有《波列罗》和《圆舞曲》。他的《波列罗》上期已经略作介绍,它和《圆舞曲》同样都是由于舞蹈演出需要而创作出来的。早在1906年拉威尔便开始构思一首圆舞曲,最初的草稿标上《维也纳》的曲名,也就是说拉威尔对维也纳圆舞曲的一种向往和赞美。但事实上他的《圆舞曲》只保留了维也纳圆舞曲的结构,而没有维也纳圆舞曲那种明快轻松的气质,甚至可以说只有一种晦暗迷蒙的格调,似乎他笔下的舞蹈者都隐蔽在一层浓厚的烟雾之中,只有隐隐约约的轮廓。有人说拉威尔这首著名乐曲受当时第一次世界大战悲剧性的影响,是心灵受到创伤之后的产品,所以音乐里掺杂着彷徨疑虑的感情色彩。但到后来音乐发展下去,越来越明朗辉煌,好像跳舞的人群已经冲破迷雾,出现在阳光之下。

    说起来这部《圆舞曲》的创作过程也相当曲折,1919年冬天,拉威尔着手把原来的《维也纳》改写成《圆舞曲》,用两部钢琴演奏。那时候恰巧有个俄罗斯舞剧团的编导季列夫来找,请他把这部《圆舞曲》改编为管弦乐曲,以便舞蹈上演时演奏,于是拉威尔照办了。但后来不知什么原因,佳季列夫没有采用拉威尔的乐曲,从此这部作品大都在音乐会舞台上演奏。虽然后来也有人以它来编成舞蹈,毕竟比较少演出,反而作为一首管弦乐作品则成了拉威尔的名作。
    上两期我向大家介绍了小步舞曲、加沃特舞曲、波列罗舞曲、哈巴涅拉舞曲、圆舞曲,更对这些舞曲的各种类型和不同的风格作了阐述,相信大家会有一个大概的印象。但口说无凭,最重要的还是实例,要找这些舞曲的录音来听,而且要多听,才能比较透彻地了解它们的面貌。

    下面继续介绍塔兰泰拉舞曲。这是一种速度很快的大拍子舞曲,奏起来有一种狂热的格调。它是一种意大利民间舞蹈,据说这种舞蹈起源于意大利南部,那里有个塔朗托的地方,有一种很毒的蜘蛛,叫做塔兰图拉,如果人被它咬过之后,很难医治,只有跳一种速度很快的舞蹈才能解救,这种舞蹈就是塔兰泰拉了,所以也有人把这种舞曲称为毒蛛舞曲。不过,这只是传说,到底真实性如何,那就姑妄言之,姑妄听之好了。很多作曲家都写过塔兰泰拉舞曲,不过以钢琴作品为多,像肖邦和李斯特都写有塔兰泰拉舞曲,而管弦乐演奏的塔兰泰拉舞曲也有,但常常是一首乐曲里的一部分。例如柴可夫斯基的芭蕾舞剧《天鹅湖》第三幕里有一首拿玻里舞曲,前面是一段以短号主奏的部分,后面那段急促的舞曲就是塔兰泰拉舞曲了。不过在我收藏的一张影碟(LD)里,倒一下子收罗了三首塔兰泰拉舞曲,那是拿索斯(NAXOS)的一张《意大利节日》,其中有俄国作曲家居伊、法国作曲家戈达尔和李斯特的塔兰泰拉舞曲,都是用管弦乐队演奏,除了戈达尔那首出自《意大利景色》,其它都可能是由钢琴改编为管弦乐演奏的乐曲。如果你在欣赏其它乐曲时,只要着意搜寻,亦不难找出塔兰泰拉舞曲的踪迹,例如在柴可夫斯基的《意大利随想曲》里,最后的尾声那段也是一首塔兰泰拉舞曲,那种热烈的气氛真是可以使人情绪高涨。

    玛祖卡舞曲是一种三拍子的波兰民间舞曲,速度有快、中、慢三种。这种舞曲的特点是每小节的重音常常在第二或第三拍上,加上旋律经常有跳跃的进行,附点音符比较多,但这些只不过是外在的特征,要分辨玛祖卡舞曲,还要从它所表现的波兰民族性格和气质来断定。玛祖卡舞曲其实只是一个总称,它包括有玛祖尔、库亚维克和奥别列克等好几种舞曲,19世纪波兰作曲家肖邦写过五十几首玛祖卡舞曲,显现了一个多采而妙想纷呈的局面,但它们都是用钢琴独奏的。俄国作曲家斯克里亚宾的创作早期受到肖邦的影响,也写了23首钢琴独奏的玛祖卡舞曲,尽得肖邦的神髓,十分动听。19世纪末的波兰作曲家希曼诺夫斯基秉承肖邦的余绪,也写过22首玛祖卡舞曲,但他在旋律与和声方面却表现出近代音乐的倾向,只不过保留了玛祖卡在节奏上的特征而已。

    除了钢琴演奏的玛祖卡舞曲外,也有用管弦乐队演奏的,例如在一些芭蕾舞剧里,玛祖卡舞曲却是经常听到的,《仙女们》里也有两首玛祖卡舞曲,作曲者原来是肖邦,是人家把它们改编成管弦乐曲,这些过程上一斯在谈圆舞曲时已经说过,这里就不再重复。在法国作曲家德利布的芭蕾舞剧《葛蓓莉娅》里,也有一首很出名的玛祖卡舞曲,在它的前面有一段场景音乐,由圆号与弦乐先后奏出了非常抒情而悦耳的慢板,于是在简短的引子之后,这首欢快热情的玛祖卡舞曲就登场了。真正为管弦乐队而创作的玛祖卡舞曲还有很多,例如柴可夫斯基的《天鹅湖》第三幕里,为了表现挑选新娘的场面,波兰客人到场时就一首代表波兰的玛祖卡舞曲,从风格上来看,这首乐曲十分豪迈狂放,气氛热烈,和前面提到的肖邦那两首在气质上是大大不同的。

    能够代表波兰的民族性格的音乐还有波兰舞曲。波兰舞曲又有人音译为波洛奈兹舞曲,大概这种舞曲起源于波兰民间,因此通常译为波兰舞曲。这是一种中等速度的三拍子舞曲,每小节的重音放在第二拍上,最早的波兰舞曲是用人声唱和用小提琴演奏的,在16世纪的欧洲,波兰舞曲开始流入宫廷,演变成器乐曲,多用乐队合奏,常常用来做宫廷舞会的开始曲,因为它的风格既庄重又华丽,很适合贵族们的趣味。后来巴赫和他的儿子威廉·弗里德曼·巴赫、莫扎特、贝多芬、韦伯和舒伯特都写作这种波兰舞曲,其中有为乐队而写的,也有为钢琴独奏而写。到了19世纪,波兰的肖邦写了十几首波兰舞曲,但大部分都是钢琴曲,其中有一首是钢琴和乐队合奏的,叫《降E大调沉着的行板与光辉的大型波兰舞曲》。从这首乐曲的标题来看,就很清楚地知道它分为两大部分,前面“沉着的行板”是纯粹用钢琴独奏的段落,后面部分才是钢琴与管弦乐合奏的波兰舞曲。这部作品是肖邦在1830年去巴黎之前,在维也纳作短暂停留时创作的,它充满一种华丽和雍容高贵的气质。不过它的乐队合奏部分较为薄弱,只起了一些衬托作用,因此有些钢琴家在演奏时干脆省去乐队部分,全曲用钢琴独奏。

    其他作曲家也都喜欢用这种曲体写作,例如柴可夫斯基在歌剧《叶甫根尼·奥涅金》第三幕中,场景是圣彼得堡格列敏公爵的宫殿里,举行一场盛大的跳舞会,柴可夫斯基就用一首壮丽的波兰舞曲来表现贵族生活的豪华气派。德沃夏克也写过波兰舞曲,不过他那首波兰舞曲除了雄壮而轻快的格调之外,更多朴素的味道,似乎更接近民间舞曲的风格。其实,斯拉夫民族以外的作曲家也喜欢创作这种体裁的舞曲,例如法国作曲家夏比里埃也有一首《节日波兰舞曲》,节日的气氛当然是浓浓的,也相当庄严华贵,但好像还多了一些法国人所特有的雅致气质。

    在音乐会的舞台上,常常碰到的舞曲还有波尔卡舞曲。据说波尔卡舞曲起源于捷克的波希米亚地区,1835年开始传到欧洲其他的国家,引起了一阵狂热,它受欢迎的程度仅次于圆舞曲。波尔卡舞曲一种快速适中的两拍子舞曲,节奏有很多变化,大都表现一种轻松愉快的情绪。在捷克作曲家德沃夏克的《捷克组曲》里,第二乐章是一首波尔卡舞曲,这首被他刻意经营的舞曲有好几个音乐形象:有的摇曳潇洒、有的兴奋粗犷、有的曲调缭绕绵密,总之,在这首只有四分半钟的乐曲里给你展示一个丰富多彩的画面。

    德沃夏克写过相当数量的波尔卡舞曲,它们大多散见于他的歌剧、管弦乐(《斯拉夫舞曲》)、室内乐、钢琴曲中。捷克作曲家写捷克的民间舞曲,用广州人的话来说,自然是“原汁原味”,其他的捷克作曲家也不乏精彩之作,这里就不一一列举了。当波尔卡舞曲传到奥地利之后,受欢迎的程度真是令人难以相信。不用说别的作曲家,光是著名的斯特劳斯一家,父子兄弟四人都写了不少波尔卡舞曲,数量上比捷克作曲家们写的更多,还有更多的不同味道,可以说大放光彩。例如小约翰·斯特劳斯和弟弟约瑟夫合作的《拨弦波尔卡》就很有名,这首乐曲作于1869年,是一首弦乐合奏曲,自始至终都用手指拨动琴弦来演奏,产生了生动利落和热烈幽默的气氛,那变化多端的音响音色和力度的强弱处理实在是少有的精彩。小约翰·斯特劳斯另一首出色的波尔卡舞曲是《闲聊波尔卡》,又有人译为《叽叽喳喳波尔卡》,这是一首充满谐谑色彩的作品,作曲家用特殊的创作手法来描绘维也纳妇女们在愉快地闲聊的情景。也许小约翰·斯特劳斯看不惯维也纳的上层社会妇女饱食终日,无所事事,于是东家长、西家短,那家时装店的花样好等等闲言碎语就成了她们打发日子的方法,于是就在乐曲里加以善意的嘲讽。不过,这首乐曲的音乐形象倒真是生动而传神,虽然有点恶作剧,但听众们倒不计较这些,而喜欢在乐曲中揣摸那些各种不同特点的语言音调,和那些嬉笑怒骂的声音。这首乐曲又有人声版,不论是普通的混声合唱或童声合唱,都更能把“闲聊”的情趣刻划得更为形象化。

    19世纪的欧洲是浪漫乐派的兴盛时期,有些作曲家在自己国家的民间音乐中汲取素材写出大量富有民族特色的音乐作品,而首开风气之先的是匈牙利的李斯特和波兰的肖邦。肖邦写过很多玛祖卡舞曲和波兰舞曲,前文已有阐述,李斯特则喜欢在自己的作品里按照匈牙利民间的查尔达斯舞曲的样式来创作。查尔达斯舞曲起源于吉普赛人的民间舞蹈,时间大概是在15世纪的30年代,在匈牙利广为流行,到了19世纪的50、60年代成为匈牙利主要的民间器乐体裁。它采用两拍子的节奏,在乐曲结构上由两部分组成。第一部分叫“拉逊”(Lassau),速度缓慢,第二部分叫“弗里斯”(friss)是主要部分,速度大都很快,常用切分节奏,气氛热烈狂放。例如李斯特的《匈牙利狂想曲第二号》,这首狂想曲实际上是用查尔达斯舞曲的体裁写成的。乐曲开始是一段缓慢的引子,它是深沉的,但却坚强有力,具有号角一般的音色。跟着是称为“拉逊”的第一部分,这是一段速度较慢而节奏自由的乐曲,表现了吉普赛人那种喜爱流浪生活、自由自在的性格,但音乐里有时不免流露出哀伤的情绪。乐曲的第二部分“弗里斯”(意思为“新鲜”)是一段如火如荼的舞曲,粗犷而奔放,很能表现匈牙利民族特有的豪放和热情。这首狂想曲原来是钢琴曲,但在音乐会舞台上常常用管弦乐改编曲的面貌出现。

    另一首著名的《查尔达斯》的乐曲出自19世纪末、20世纪初的意大利作曲家蒙蒂,通常用小提琴独奏,乐队合奏的形式出现。乐曲开始时也有充满激情的引子,然后奏出深沉而略带忧郁的主题,这就是“拉逊”的段落,它有小调色彩的抒情旋律,后来转换成流畅而华丽的格调,都具有鲜明的匈牙利吉普赛音乐的特点。接着乐曲转入快速而活泼的“弗里斯”,和上面那段“拉逊”形成强烈的对比,充满欢快而奔放的氛围。这段舞曲越来越热烈,快速的走句频繁出现,使乐曲进入高潮。突然音乐平静下来,慢慢地奏出温柔而委婉的歌唱性主题,这纯朴而甜美的曲调以小提琴的泛音回应,形成幽谷回声的动人效果,最后快速的走句再次现身,并用切分的节奏处理,将乐曲推向狂放的高潮从而结束全曲。除了上述蒙蒂的《查尔达斯》之外,西班牙作曲家萨拉萨蒂著名的《吉普赛之歌》,又叫《流浪者之歌》基本也运用了查尔达斯的结构,但更加复杂些,所表现的感情也更为多样,最后仍然以狂热粗犷的“弗里斯”式的段落作结。俄罗斯作曲家柴可夫斯基在芭蕾舞剧《天鹅湖》第三幕里,为了要表现匈牙利客人的特色,也安排了一首查尔达斯舞曲,看过这部芭蕾舞剧的人,相信都会为那热情狂放的舞姿和音乐而深为陶醉吧。

    说起古今中外的舞曲,它们的数量真是浩如烟海,要全部加以介绍,事实上是不可能的,因此我只能把范围缩小到17、18世纪到20世纪那么一个幅度,地域也只限于欧美国家,而且只着重在今天仍然能够在音乐会和唱片欣赏的舞曲,对于那些现在已经不大有机会听到的舞曲,就只好舍弃了。本来中国有几千年的文化,民族又多,如果有人肯花力气去收集、研究、分类、阐述和推介,那倒是一个深广浩渺的宝库,但可惜到现在为止都没有这方面的专著,更不要说为它们把舞蹈和音乐记录在影碟和唱片上,因而在这个专栏里只好忍痛割爱,以待将来有这样的条件时,由另一些音乐工作者去完成这项工作了。

    从这个《舞曲与进行曲》的第一期起,笔者已介绍了好多种舞曲的起源、特点、风格、结构等,也举了好多有代表性的乐例,只要你愿意花些时间和力气,都可以在丰富的唱片中找到这些舞曲的音乐来欣赏。可能有读者会问:为什么要花这么多的时间和篇幅不厌其烦来介绍这些舞曲呢?理由很简单,因为这舞曲大都在结构上比较简单,而且短小精干,旋律和配器都比较多彩而动听,容易接受。即使你是欣赏过好多年的古典音乐迷,对这些经过时间的筛选和淘汰,到今天仍然站得住脚的通俗乐曲,相信都会乐于接受和欣赏的。再说,我这个专栏以后在谈到管弦乐组曲、交响乐等大型乐曲时,其中很有可能有一个乐章或段落就是上面提过的各种舞曲里的一种,所以,把舞曲作为欣赏大型乐曲的一个阶梯,也就是所谓初阶,我想是必要的,也是合适的。循序渐进,总比一开头就啃大部头的作品要好些,也容易些,相信读者会同意这个观点。

    下面要讲的是德意志舞曲,它是一种到目前仍然听得到的古典舞曲,18世纪后半叶到19世纪前半叶流行于德国南部的一种民间舞曲,三拍子,速度有快有慢,也有适中的速度,旋律大都朴素而具田园风味。我在前一期谈到圆舞曲的演变过程中,也提到过这种德意志舞曲,因为有人认为圆舞曲是由德意志舞曲和奥地利的连德勒舞曲变化改进而成的,不过以后圆舞曲在欧洲大行其道,而且流行到全世界,就取代了德意志舞曲和连德勒舞曲。我们现在再回过头来欣赏一下这种古老的民间舞曲,拿它们和圆舞曲互相比较一下,这也是一个有趣的做法。譬如说维也纳式的圆舞曲大都有一个或长或短的引子或者序奏,然后由四至五首小圆舞曲连缀在一起,最后是个篇幅比较大的尾声或结尾部分,而德意志舞曲就没有那么复杂而首尾相应的结构,而是由四至五首小舞曲到十几首小舞曲相连而成,没有序奏、引子,也没有尾声。我认为我们现在听到的维也纳式圆舞曲大部分是为音乐会舞台的需要而写的,就算在19世纪像圆舞曲大王小约翰·斯特劳斯的圆舞曲,初时也是为上层社会的豪华舞会和音乐会而创作的,所以它们的曲风大都趋向于华丽、轻松方面,而德意志舞曲大都保留了浓厚的泥土味,就算莫扎特和贝多芬写了很多德意志舞曲,大致上仍然具有强烈的民间风格。莫扎特从31岁起即1787年以后,因为家里经济困难,受人委托写了大约50首的德意志舞曲,这些舞曲富有独创性,而且流畅优美,洋溢着明快爽朗的气息,谁又会想到莫扎特在创作这些舞曲的时
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